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奥鹏《艺术素养》离线作业试题答案
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你可能喜欢巴洛克时期意大利有那几个歌剧乐派，各派的代表人物是谁
巴洛克时期意大利有那几个歌剧乐派，各派的代表人物是谁
08-12-12 &匿名提问
巴洛克时代（）在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。在这150年的历史中，欧洲资本主义生产关系不断成熟，文艺复兴带来的人文主义思想正在各个领域中向封建主义和宗教迷信发起强大冲击，科学、艺术、政治领域中涌现出了一大批杰出的伟人，形成了类似中国春秋时代的百家争鸣的局面，推动着欧洲社会从中世纪全面走向近代。 1 巴洛克时期的前导 从音乐史上来说，文艺复兴时期是巴洛克的前导，大致从1450年（或1425年）左右开始至1600年为止。15世纪中期，欧洲大批的音乐家聚集在勃艮第（包括今天的法国北部、比利时、荷兰的一部）宫廷为之效命，形成了弗兰德斯学派（或称尼德兰学派），带来了欧洲音乐的一次繁荣期。由于在此期间在绘画、建筑、雕塑、文学等艺术领域中发生了文艺复兴运动，音乐史上把这个时期也称作“文艺复兴时期”，尽管这样并不太恰当，因为当时已没有古代希腊、罗马的音乐传统流传下来可资“复兴”。 放眼欧洲社会，在此期间诞生了资本主义生产关系的萌芽；地理大发现、新航路的开辟、资本原始积累过程中产生了最初的资产阶级和具有一定小资产阶级性质的富裕市民阶层，刺激了对世俗音乐的需求。特别是在靠贸易富起来的意大利，市民阶层已相当发达，于是16世纪欧洲音乐的中心已从低地国家转到这里。 文艺复兴时期的意大利音乐，宗教体裁如弥撒、经文歌等仍占有主导地位。但牧歌等世俗体裁有了相当的发展，帕莱斯特里纳、加布里埃利、蒙特维尔第、拜尔德等音乐家都是创作牧歌的大师。16世纪中后期，意大利诞生了最早的歌剧。 文艺复兴时期的音乐，总的来说旋律简单朴素。复调作曲法经过5、6百年的发展已日臻成熟，复杂的中世纪教会调式日渐衰微，让位给新的大小调调式，从而为和声学的发展扫清了道路，并且各种和声的心理作用日益被运用到音乐创作中去，逐渐形成了巴洛克时期的音乐美学理论—“情感论”；记谱法日渐完善，五线谱在16世纪后期日益成熟，一些有影响的作曲家的作品得以广泛流传；以小提琴为代表的弦乐器从16世纪中期开始大显身手，出现了最早的演奏家；乐器制作工艺的进步，使得一些新的乐器被发展出来，增加了供作曲家选择的乐器种类，为日后配器学的发展奠定了基础。就这样，各种社会条件的成熟，预示着音乐史上一个大发展的时代的来临。 2 巴洛克时期 音乐史上的巴洛克时期开始于1600年前后，这似乎是一种约定俗成的提法而没有特定的里程碑式的事件。1750年，巴赫的逝世标志着巴洛克复调作曲法的终结，成为巴洛克时期结束的界限。 巴洛克时期的音乐一改文艺复兴时期的简单朴素，变得浮华、复杂，富有感性的吸引力。这一时期崇尚的美学观点是“情感论”，即音乐（也包括其他艺术）的目的在于直接引起听众或观众特定的情感，例如自然音阶、大调式、简单的织体引起欢快的、向上的感情，而半音音阶、小调式、复杂的织体带来忧郁的、深沉的感情；“大音程使人欢快，小音程使人忧伤；刺耳的和声配上急促的旋律可能引起愤怒，把几个高度独立的旋律作对位化的结合时使人固执。”（J．马特松《完美的唱诗班指挥》，1739）“对比”的概念也是巴洛克音乐的一大创新，作曲家们善于用节奏、旋律、调式、音色的变化和对比来引导听众们的感情。这时乐谱中开始引入速度、力度的标记，但划分并不精细，而且同一速度一般贯穿一个乐章的始终。 在这个时期，音乐等各门艺术的职业艺术家们作为从手工业者中脱胎出的阶层，社会地位比较低下，尽管他们有时因为进行歌剧创作等较为有利可图的行当而获得丰厚的经济利益，但在政治上处于无权地位。因此他们多依附于贵族、宫廷、市政府或教会，以获得一定的保障。他们与雇主之间的关系具有较强的封建性而不像资本主义的雇用关系。另一方面，在意大利和德国的一些地方出现了一些高水平的音乐组织，有的是民间组织如学院（accademia），由业余的和职业的音乐家共同组成；或是官方或半官方的，如唱诗班、威尼斯的慈爱院（专门为无人抚养的女孩提供音乐教育，维瓦尔第在此供职）等，多与慈善机构结合，为有音乐才能的儿童提供音乐教育，为教堂、城市的音乐活动服务。这些机构为音乐的普及和民间音乐水平的提高起到了相当大的作用，一定程度上满足了新兴的资产阶级市民阶层对音乐的需求，使得高雅音乐不再仅仅为上层社会所垄断。另一方面，社会上层的贵族或热爱艺术、或附庸风雅，乐于赞助艺术家，甚至有个别的还相当有造诣，如巴赫雇主之一的利奥波德大公就是一个不错的作曲家。 此时欧洲各国之间，音乐一方面相互影响，一方面在新的历史条件下由于各民族政治经济发展的不平衡性和民族文化传统的不同，开始逐渐形成较为明显的民族风格，并突出体现在有代表性的音乐大师的个人创作中。巴洛克音乐大致有意大利、法国、德国三个中心，既有各自的特点又互相影响。下面为您分别介绍 2.1 意大利 17、18世纪的意大利，政治上处于四分五裂的状态，由以罗马城为中心教皇国、那不勒斯、萨丁等王国、威尼斯、热那亚等由金融贵族统治的共和国以及数百个自由城邦、主教领地组成。罗马教庭经过16世纪宗教改革的打击，权威一落千丈；教会的顽固派在内部日益世俗化的同时，仍然力图保持形式上的“纯洁”，对一些“离经叛道”的科学和艺术进行压制；另一方面，教会中的一些开明分子在世界观上也倾向于人文主义，积极赞助艺术（如科雷利的保护人潘费里主教和奥托博尼红衣主教），甚至一些音乐家本身就是神职人员，如维瓦尔第和马蒂尼神父。 从经济上来说，意大利南临地中海，自古就有发达的造船业和海运业。延续几个世纪的十字军东征运动使得威尼斯等海运城市依靠运送士兵和打击竞争对手大发横财；马可．波罗这样的商人把货物从遥远的东方源源输入欧洲，教庭每年从全欧征缴大量的赋税和贡品……这一切都使意大利积累了巨额的财富。时至巴洛克时期，由于土耳其帝国的兴起，东西方贸易通路被切断；新航线、新大陆的发现造就了英国、西班牙、荷兰等新兴的海上霸主，意大利的经济霸权开始衰落，但仍然依靠过去积累的财富维持着表面的繁荣。 从意识形态上说，在这里诞生了最早的资本主义生产方式，资产阶级的人文主义思潮举起了文艺复兴的的旗帜，为艺术摆脱神学的束缚清扫道路。滚滚的财源造就了一批金融贵族和一个发达的市民阶层，给世俗音乐送去了听众，为巴洛克时期世俗音乐的大发展奠定了基础。 意大利巴洛克音乐有两个突出特色—1：声乐方面，歌剧繁荣发展，取代了宗教音乐的主导地位；2：器乐方面，以小提琴为代表的弦乐器占有突出地位。 歌剧于16世纪末脱胎于牧歌。1600年由佩里创作的歌剧《达芙尼》和《尤利狄斯》上演（前者部分已亡佚，后者是现存完整的最早歌剧），此时已经有了宣叙调与咏叹调的分工，但从形式和内容上看均属探索性质。1607年在曼图亚宫廷上演的由蒙特威尔第所作的《路婆》是第一部近代意义上的歌剧作品。作者创新性地使用不协和音来造成紧张气氛和戏剧性的效果，并且用管弦乐的音色烘托气氛，为此作者改组了管弦乐团以适应这种要求。在他的歌剧里，独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱、管弦乐队和舞蹈综合在一起为剧情服务。蒙特威尔第认为歌剧的音乐要表达人类深刻的情感，并且要与歌词意义相吻合。鉴于他对歌剧这种体裁起的奠基性作用，蒙特威尔第被誉为“近代歌剧之父”。 1637年，威尼斯向普通市民开放了圣卡西亚诺剧院，这是历史上第一家公共歌剧院，歌剧从此开始走出王公贵族的宫廷。17世纪中期，威尼斯开始进入歌剧的黄金时期，全市共有16家歌剧院全年分几个演出季上演歌剧，一大批有才华的音乐家和剧作家为之谱曲和写作。此时歌剧舞台上开始注重使用舞台布景、照明、演员服装与音乐相配合，场面有时奢华到了夸张的地步。 17、18世纪之交，由A．斯卡拉蒂为代表的那不勒斯乐派继威尼斯之后兴起，并统治了意大利乐坛和欧洲舞台近一百年。这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用，使声乐独唱水平空前提高，更加强了歌剧的主调风格（即与复调多旋律特点性对的单旋律风格）。当时的咏叹调已固定采用A—B—A的反复三段体形式，在第三段重复第一段音乐材料时，歌唱者可以随意添加装饰和花腔，以显示自己的歌喉和技巧。斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，选择不同的咏叹调表现不同的情绪。在重视人声的同时，他重视器乐的独立表现，首创了歌剧启幕前的器乐合奏-序曲（又称辛孚尼亚 Sinfornia），由快-慢-快三部分组成。他树立的这种歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧（opera seria）。正歌剧注重人声的特色导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）在欧洲的广泛运用，但后来也出现了单纯追求“美声”的形式而忽略内容的倾向，最终走向了衰败。 另一方面，意大利器乐领域里迎来了以小提琴为代表的弦乐器的繁荣。从中世纪起就有几种弦乐器在欧洲民间广泛流传，如以手拨弦的吉他和鲁特琴，以弓毛擦弦的手提式里拉琴、菲德尔琴（至今英语口语称小提琴为fiddle）等，而最接近小提琴的是维奥拉琴。 十六世纪后期，小提琴作为一种独立的乐器开始定性。在意大利北部城市克里莫纳，小提琴制造业兴起，出现了最早的制造家，他们把小提琴各部分的比例确定下来。到了巴洛克时期，克里莫纳已经成为全欧洲最有名的的小提琴制作中心，几个世代相传的家族（如瓜内利家族、阿玛蒂家族、瓜达尼尼家族）源源不断的为演奏家们造出堪称极品的提琴，而斯特拉第瓦利（）更是空前绝后的的制作大师。他们把小提琴制作从一门技术变成了艺术，那时制作的名琴至今仍有很多在演奏家的手里大放异彩。 歌剧的繁荣同时提高了小提琴的的地位—因为她是最具歌唱性的乐器，使她从灰姑娘一般的民间乐器变成了音乐殿堂里的白雪公主。16世纪后期，意大利出现了最早的演奏家，小提琴演奏技术获得了发展。1607年，《路婆》上演时，蒙特威尔第在乐队编制中突出使用了小提琴和维奥尔琴，使之在管弦乐队中的地位逐渐确立起来。 17世纪初期出现了几个很有影响力的小提琴学派，最有名的是博洛尼亚学派和威尼斯学派。博洛尼亚是意大利文化、艺术和科学中心之一，也是高等学府集中地。该学派把人声作为审美的准绳，力求用小提琴表现歌唱性。他们使用小提琴不超过第三把位，正好限制在女高音的音域范围之内。这个学派在17世纪后期达到极盛，期待代表人物有A．科雷利、G．托雷利、G．巴萨尼等。这一学派的最大贡献在于奠定了小提琴奏鸣曲的曲式。尤其科雷利，他的独奏奏鸣曲（附有古钢琴的数字低音伴奏）和三重奏鸣曲成为巴洛克时期的典范。但到18世纪末，有越来越多的曲目超出了三个把位的适应范围，该学派的洛卡台利、杰米尼亚尼最终突破了这一局限。 与学院派的博洛尼亚小提琴家们不同，威尼斯学派的小提琴家的演奏风格具有浓厚的民间气息，他们经常在创作中采用民间舞曲的旋律并且经常使用高把位。（例如一位欣赏过维瓦尔第演奏的学者记载，他的手指非常靠近琴马，甚至几乎连下弓的地方都没有）这些音乐家具有强烈的创新意识（尽管有时有哗众取宠之嫌），喜欢运用不同寻常的调性、出人意料的转调和快速变换的节拍。天才的维瓦尔第是这一学派的杰出代表。他一生创作了500首左右的协奏曲，包括为几乎所有主流乐器而写的独奏协奏曲和大量大协奏曲（concerto grosso，指并不特意突出某一种乐器而由几种乐器相互竞奏的协奏曲），大大的发展了协奏曲这一新兴的音乐体裁和提琴的表现技巧，同时为配器学的发展做了充分的尝试。协奏曲高度发展之后，开始呈现出一定的交响性；程式化的对位法规则逐渐被理性的主题发展技巧所取代，脱胎形成了古典时期的交响曲。
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巴洛克时期音乐风格的最大特点 就是对位  在塞巴斯提安 巴赫的作品中 对位发展到了巅峰 而在巴赫作品 十二平均律下册的创作过程中 巴洛克音乐风格已经开始逐渐没落 以巴赫儿子 伦敦巴赫 等人的创作逐渐由轻巧的洛可可风格 转成了 主调意识明显的古典主义风格 纯洁理性的多声部让位于情绪明显的主调音乐风格 巴洛克时期音乐风格在老巴赫手中达到顶峰，1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。
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多项选择题那不勒斯歌剧乐派确立了（）的形式。
A.返始咏叹调
B.清宣叙调
C.用乐队伴奏的戏剧性宣叙调
D.意大利序曲
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B.用小组乐器伴奏
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D.采用通奏低音伴奏的宣叙调
A.发明歌剧
B.复兴古希腊戏剧
C.恢复古希腊音乐的本色
D.复兴古罗马音乐风格
A.威尼斯歌剧乐派
B.罗马歌剧乐派
C.威尼斯乐派
D.那不勒斯歌剧乐派
C.里努契尼