秀色直播聊天 享受国王与公主的极致体验 　来源：　 来源：作者：责任编辑：杨帆 　　在秀色直播，傅煜是一呼百应、众人簇拥的“国王”，成就感取代空虚感占据了他的心。一出场，公屏上就显示他开着虚拟座驾——一辆价值不菲的布加迪威航——进入了房间，他的国王头衔引得公屏上满是惊呼。随着他一掷千金地为主播送上礼物，直播间内瞬间HIGH爆了。开始用秀色直播才不过两三个月，他在秀色直播上的花费已近三十万。恰巧适逢他心仪主播的生日，价值几万元现金的作为礼物送了出去。他说自己有时候会和朋友一起去给某位主播送礼物，和朋友闲聊时常常竞赛着谁为主播花了更多钱。他坦言，自己乐意在秀色直播上一掷千金，这是个有钱人的游戏，自己当“国王”、捧主播其实也就图个乐，未来还可能在秀色直播上花更多钱。傅煜挥金如土，也许只是为了增加自己的存在感。据悉，傅煜这样的富二代用户在秀色直播用户中占比不到10%，但贡献了超75%的收入。不少富二代由于空虚，不惜下重金追求刺激，热衷于在秀色消费以填补自己的空虚感。 　　普通女孩在秀色直播实现了明星梦 　　付帆是一位怀揣着明星梦的女孩，一直期待着机会到来，到时发出自己的熠熠星光。她当初正是看中了秀色直播能够造星这一点成为了一名主播。她积极在线上展示自我，其靓丽的外表、有感染力的歌声已经吸引了不少人的关注和支持。她说，自己之前参加选秀节目，竞争非常激烈，名次不如人意，而在秀色直播，不断攀升的人气给了她脱颖而出的希望。 　　小蕾在北京的一家企业任行政助理，和许多同龄人一同来北京追梦的她，也过了几年并不如意的日子。亲友对她寄予厚望，她自己也不甘平庸，只是一个人在北京苦苦打拼，工作之余还出去兼职，个中辛酸苦涩，她难以独自承受。上班时挤着不能更挤的地铁，下班后窝在不能再小的房间，没什么存款，她一度觉得自己快要窒息，开始质疑自己留在这个城市的意义。常常冒出不如归去的想法，可是她不甘心归去，压力大得受不了的时候喜欢唱歌的她就和朋友们去k歌。后来在一次聚会上，一位朋友偶然说起有秀色这么个平台，在上面当主播唱歌还能领工资。她就留心了，白天仍旧上班，晚上开始直播。她说，这样工作虽然挺累，但是赚得比以前多。对于当秀色直播的女主播给她带来了多少收入这个问题，她只是笑笑，说，比工资还多呢。她介绍道，秀色直播比较受欢迎的主播中“S 甜×”每月收入超10万、“俊家軍·××”每月收入6万，自己要向他们看齐。她说，她很感谢秀色直播这个平台，很感谢支持她的人，如今她不再频繁地为钱发愁，也慢慢地有了一些存款，还开始投了一些理财项目。和大多数同龄人比起来，她可谓收入可观了，和许多主播比起来，她的收入应该也并不逊色。 　　直播间中的体验经济前途无限 　　在秀色直播，有傅煜这样慷慨的富二代来捧的主播无疑是幸运的。秀色直播上，主播都要一点点积攒人气。一个聊天室里的观众动辄数千，面对数以百计的点歌单，主播通常是一一满足。努力是能够得到回报的，由于兼顾富二代用户和普通用户的需求，秀色直播整体的平台氛围好，富豪和普通用户其乐融融，这是一个三方受益的结果。主播水平的不断提升，使得用户获得更好的视频聊天体验，刺激消费，并形成良性循环。固定粉丝群体促进了实体经济的增长，线下活动更给了粉丝与偶像主播面对面交流的机会。 　　时间永是流驶，深夜的静谧拭去了城市的喧哗。满眼都是各式各样的礼物，满耳都是轻柔悠扬的歌声。傅煜在秀色直播大把撒钱，满足了虚荣心，收获了存在感;小蕾、付帆在秀色直播收获了鲜花、掌声，同时也赚得盆满钵满;吴小浩，借助主播曼妙的歌声卸下了一天疲惫，在直播间展示真实的自我。 　　他们来自不同阶层、不同城市，但都在秀色直播间得到了他们想要的。注重娱乐的时代，在秀色直播，夜夜如此。[责任编辑:杨帆] 一周图片排行榜 光明网版权所有联盟总攻叶不羞的推荐 | LOFTER（乐乎） LOFTER for ipad —— 记录生活，发现同好 联盟总攻叶不羞 的推荐 {list photos as photo} {if photo_index==0}{break}{/if} 品牌${make||'-'} 型号${model||'-'} 焦距${focalLength||'-'} 光圈${apertureValue||'-'} 快门速度${exposureTime||'-'} ISO${isoSpeedRatings||'-'} 曝光补偿${exposureBiasValue||'-'} 镜头${lens||'-'} {if defined('posts')&&posts.length>0} {list posts as post} {if post_index < 3} {if post.type == 1 || 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当属约翰·凯奇的《4分33秒》，堪称音乐史上石破天惊的一次创举。这首乐曲，严格意义上应称其为作品更加合适，因为当中并未演奏出哪怕一个我们传统意义上理解的“乐音”。该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，分三个乐章，总时长为 4 分 33 秒，乐谱上没有音符，唯一表明的要求就是“Tacet”（沉默）。视频上可以清楚地看到，演奏员面无表情地不曾进行任何演奏行为。作品在 1952 年首演之时引起了极大的轰动，约翰·凯奇也从此名声大噪。▲ John Cage《4分33秒》的创作灵感，来源于凯奇在进入一个音响实验室之后——这间屋子能吸收近百分之百的声波，制造出无声环境，但他却听到了高、低两种声音，声学家解释说它们来自人体，分属于神经系统和血液循环。由此凯奇认为“要打开我们的耳朵，必须好好地理解无声”。作品被无数人津津乐道，有趣的是，人们使用大量文字语言，去探讨一部作曲家不曾在乐谱上写有半个音符，演奏者不曾在舞台上奏出任何音响的作品。作为偶然音乐的代表，凯奇的创举远不止这些，他好像要把音乐“玩坏了”一般，想出了各种无厘头的噱头来制造声音游戏，他会在钢琴琴弦上摆放各种不同的物体，来改变乐器原有的音色，他还会跑到舞台上切菜，或者通过掷硬币、看星象等来决定乐曲中的音高、音长，有时他的创作更加接近行为艺术。偶然音乐时间：20 世纪 50 年代开始影响广泛作曲家在写作时有意放弃对音乐中某些参数（如音高、节奏、力度或结构）的主观控制，而采用一些客观的方式（如掷骰子、抛硬币、翻扑克牌、算八卦、摆图形或由计算机程序给出的随机数据）来加以确定，或者交由演奏者在表演时作即兴的处理。梅西安《时值与力度的模式》做了凯奇两年老师的勋伯格是20世纪音乐的重要人物，他创用的十二音技法彻底将调性原则瓦解，原有传统的“美”的音乐规则被打破。自那之后飘摇的“共性写作”彻底瓦解，一个音符与下一个音符之间的关系，有了新的延展与存在方式，不必给出任何理由，作曲家有权利随意改变音乐的式样，乃至，音色、媒介、结构等等一切要素。套用斯特拉文斯基的说法，音乐艺术进入了“自由的深渊，一种面对多元选择的恐惧”的时代。十二音技法又被称作序列主义，其具体手法为：一个八度中的十二个半音被作曲家按个人意志自由排序，形成“序列”，这也是作品的母体元素，在全部 12个 音出现之前，任何音不得率先重复使用，同时还要避免调性感强烈的和弦音。序列虽仍是整部作品的主题，但其内在的各个单音并不存在主次化差异，没有核心与辅助的差别，没有调性的导向感。▲ 梅西安但仍有比这更加夸张的演进，那便是全面序列主义的发端，第一部真正意义上的代表作即是法国作曲家梅西安于 1949 年达姆施塔特讲习班上发表的《时值与力度的模式》，他在当中使用了三个预先设定的音高序列，三组渐次递增的时值序列，还有七种力度和十二种出音法与每个音相对应，犹如魔方的拼凑组合，最终在绝对的控制中达到无法预先想象的音响效果。全面序列主义时间：20 世纪中叶兴起十二音体系只是将音高单一元素做预先的设定，但全面序列则是将音乐的各个要素：节奏、力度、音色、结构等全部置于序列的严格控制之下，从一个又一个设定好的序列中引申出音乐的织体与结构，从而彻彻底底摆脱传统音乐观念的束缚。 潘德列茨基《广岛受难者的挽歌》这部作品在如今看来并无太多“奇葩”之处，但它却是当时作曲家探索新音色的代表作，是音色音乐里程碑式的作品。潘德列茨基 1933 年生于波兰，乐曲写于他 27 岁之时，为 52 件弦乐器而作，在此之前，拥有大型乐器编制的作品并不少见，但执着于为如此庞大数量的同质音色乐器（其中包括 24 把小提琴、10 把中提琴、10 把大提琴和 8 把低音提琴）进行创作，确是鲜见的。乐曲以独特的音色而著称，当中对弦乐音响潜能的拓展前所未闻。作曲家采用音块的写法，不同声部相差半音或四分之一音，密集地形成一些声音的条带，没有节拍，没有传统意义上的和声与旋律，于是这些条带相互混杂，又彼此淹没，所有琴弦发出的声音形成毫不悦耳的“音层”，细密地交织、纠缠。作曲家也开发了诸多新颖的演奏技法，譬如在琴身的不同位置演奏（靠近琴马、靠近指板、琴马之上、琴马与系弦柱之间等），都会产生不同的音色，它们之间的差异细小但各异，甚是有趣。许多人说作品描绘的是二战时日本广岛的战争场面，譬如弦乐器尖锐的叫嚣是警报汽笛声，宣告灾难的逼近，乐队全奏而发代表飞机大炮的轰鸣等。但事实上，乐曲的原标题只是《为 52 件弦乐器而作》，后来波兰国家管弦乐团赴日演出这首作品，才又加上了《广岛受难者的挽歌》这个名称，至于是否应当以画面性的联觉方式来欣赏此作，还是见仁见智。不过许多人在聆听时都会有一些生理上的抵触，觉得无法接受。音色音乐时间：20 世纪 50 年代中期开始对音色的全新探索始终是西方现代音乐创作的主要手段之一。德彪西对此曾做出不懈努力，但他采用的仍是传统演奏技法，及至 20 世纪，尤其是下半叶的创作中，这种倾向更加凸显出来。尽管最终没有形成统一的流派称谓（也有人将这种风格称为“音色旋律”，但其影响比序列音乐更加深远。其技法主要表现为音乐的音响结构成为作曲家关注的焦点，他们使用新的乐器或新的发声手段；发掘传统乐器新的表现力，创新十足。 利盖蒂《100个节拍器交响诗》前阵子电影《星际穿越》票房大卖，重新掀起了太空片的热潮，大家纷纷回顾起以往最经典的类似题材影片，库贝利克 1968 年拍摄的《2001太空漫游》也重回人们视线，这部被誉为“现代科幻电影技术的里程碑”的大作在当年获得最佳美术指导、最佳导演、最佳编剧等四项奥斯卡奖提名，最后一举斩获最佳视觉效果奖。而这部电影的配乐，即选用了利盖蒂创作的管弦乐曲《大气》与无伴奏合唱曲《永恒的光》，前者使用了我们刚刚提到的“音色音乐”的写法，拥有精致编织的音响效果，一种错综复杂的音乐织体掩盖并模糊了乐音，从而制造出一种介于乐音与噪音之间的新音响。这位匈牙利作曲家将自己的“微复调”创作手法运用其中：许多人演奏几乎相同的材料，但在速度上稍有不同，于是形成一种静态的、极为复杂的音响。作曲家的主要目的便是建立起这种音色比旋律、节奏等更为重要的艺术形式。乐曲变幻莫测的抽象感，烘托起电影中的神秘视觉景象时格外传神，对日后科幻电影配乐的创作影响深远。不过有趣的是，影片播出后，利盖蒂还因为导演将自己的作品剪辑得七零八落而状告了库贝利克，并最终胜诉。▲ 利盖蒂但我们今天要来说说他的《100个节拍器交响诗》。顾名思义这是为 100 个节拍器写作的，它们被设置上不同速度，放置在设计好的位置上，用工具一扫而过，极短的时间里不同速度的声部依次进入，听似无序的声音瞬间爆发。每个机器都在各自的节奏中发出精准缜密的机械声，这也是作曲家微复调创作理念的彰显，在节拍器一个个逐渐停止摆动后，声音逐层消解，逝去。其实这部作品的音响效果很容易去想象，利盖蒂童年生活在钟表厂附近，工厂里大批量的钟表调弦自是各不相同，这种律动的感受即来自于儿时。 斯托克豪森《直升机弦乐四重奏》德国作曲家斯托克豪森生于 1928 年，是电子音乐的代表人物之一。他在一生的创作中涉猎过多种音乐流派，如前面所提及的序列音乐、偶然音乐等各个领域他都有所建树。斯托克豪森的手法繁多，似乎总在为每一部新作品寻求崭新的表现方法，譬如他会使用“从最原始的呼喊到操作精密仪器发出的声音，从复杂地计算出来的音响组合到任凭直觉的自由演奏，从引用欧洲古典音乐到引用远东地区的音乐素材，从传统的记谱方式到使用图表和文字提示”，想象力极其丰富。《直升机弦乐四重奏》体现了作曲家在展现“时间”维度的同时，注重提升“空间”维度，使二者共置的音乐思维：四位演奏员分别乘坐四架飞翔在空中的直升飞机里演奏，他们听不到彼此的声音，乐声与机器的轰鸣声交织在一起，声响随后被传送回调音台进行混音，然后展现给现场的乐迷。“空间”维度的观念完全不局限于传统的音乐表演舞台，而是最大限度地扩展到其他生活空间之中。名词解释：电子音乐时间：20世纪中叶开始兴起将电子技术作为一种特殊手段全面应用于音乐制作的过程中，作曲家取材现实生活中的各种音响片段作为音乐素材，通过声音滤波器和反响设备，使之变形、变质、变量，创制全新的音响效果，再经其它电子仪器和录音技术加以剪结处理，使之再生、复合，组成作品。