吴静静[摘要]从历史起源、结构和造型变化、未来发展趋势三个方面，梳理世界手风琴的总体发展脉络。[关键词]手风琴;手风琴历史;手风琴类型;电子手风琴;新材料;智能手風琴文章编号：10.3969/j.issn.1674-8239.2019.05.0031手风琴起源与发展“手风琴”这一名词最早出自德语“Phisharmonika”，是奥地利人西里勒斯·德米安（cirilles Demian，1772年～1847年）在1829年申请专利时所创用。根据萨克斯一霍恩博斯特尔乐器分类法，手风琴属于“气鸣乐器”中的“簧管乐器”。许多人可能不曾想到，手风琴的起源与中国的乐器——笙有着密切关系。了解民族乐器的人都知道，笙是通过簧片振动发音的乐器。与其他簧振动乐器（如唢呐、单簧管、双簧管）的最大不同之处在于，笙无论在吹气还是吸气时，簧片皆可振动发声，乐器声学称之为“自由簧乐器”。据史料记载，18世纪后半叶，中国笙被带入俄国，此后这种独特的簧片振动方式便在欧洲流传开来，很多管风琴和自动乐器（使用机械手段自动发声的乐器）的制造师纷纷采用这种自由簧作为发声体。到了19世纪初，自由簧乐器已成为一个庞大家族，在这个家族中生命力最强的，就是德国乐器发明家弗里德里希·布什曼（Friedrich Buschmann，1805年～1864年）先后于1821年和1822年发明的口琴和手风琴。早在1818年，奥地利已经出现一种基于自由簧发声原理的簧风琴。到了1821年，布什曼首先设计了一种可以吹奏的自由簧乐器——奥拉琴。之后不久，他又将奥拉琴做进一步改进，在手提式键盘基础上又安装了一个可伸缩的风箱，并将自由振动的簧片安置在乐器内部，取名为“Handaeoline”（图1）。该乐器于1822年在柏林取得专利。1829年，西里勒斯·德米安对之前各种簧类乐器进行整合，在布什曼的手风琴基础上，加入可以为旋律伴奏的和弦键钮，从而制造出世界公认的“手风琴”（Accordion）（图2）。该琴由风箱盒子和5个琴键构成，每个琴键随风箱的推和拉可产生两个不同的和弦音。完善后的手风琴在世界各国流行起来，并随着当地音乐风尚流转而发生着改变。1829年，英国发明家查尔斯·惠斯登（Charles Wheatstone）发明了英格兰六角手风琴（图3）。1834年，德国发明家卡尔·弗里德里希·乌利希（carl Friedrich Uhlig）制造出第一架德式六角手风琴（实际为四角）（图4）。当时，各种各样的六角琴常用于演奏古典探戈和波尔卡音乐，在爱尔兰、英格兰和南非等地区非常流行。19世纪50年代，德国人瓦尔特（F.Walter）发明了半音阶手风琴，解决了手风琴转调问题，还为手风琴装上背带，演奏者双手得到解放，这种手风琴一直沿用至今。1897年，意大利卡斯特尔费达手风琴公司（castelfidardo）的创始人保罗·索普拉尼（PaoloSoprani）为一支带有低音键盘的半音阶手风琴申请专利。该键盘为每个和弦提供一个单独的按钮，也就是斯特得拉（Stradella）低音系统，即传统低音模式，左手由单音和固定的和弦构成（图5）。尽管此低音系统在当时演奏起来很便捷，既可以演奏单音，又可以演奏和弦为右手伴奏，但仍有不足之处。譬如，当需要用八度以上的低音为右手旋律配合时，这种手风琴显然还不能满足需求。20世纪后半叶，德国乐器厂霍纳（Hohner）在原来传统低音基础上，又增加65个自由低音键钮，这一发明虽然突破了传统低音的局限性，但给演奏技术带来诸多不便。之后，美国音乐家、作曲家和音乐教育家威拉德·帕尔默（Willard Palmer）发明了一种“quint”自由低音系统，后经意大利手风琴公司蒂塔塔（Titano）获得专利，制造出转换器，将手风琴改进为双系统可转换的自由低音结构。在不改变原有左手键钮数量和重量，即斯特得拉（传统）低音的基础上，通过这个转换调控装置，转换成自由低音的模式。两种低音系统通过一个装置随时转换，这样既可以使音域加宽，演奏不同风格的风琴曲和钢琴曲，具备演奏复调音乐和近现代和声的功能，又不改变原有的演奏技法，一举多得。经过一个多世纪的发展，当今世界主流手风琴的基本样式有两种：半音阶键盘式和半音阶键钮式。两种琴的左手可以是传统低音、自由低音或者两者兼备的双系统自由低音。还有一些具有民族音乐风格特色的国家，如奥地利，则多使用自然音阶手风琴（图6）。随着乐器制造水平的提高和演奏家技艺的发展，手风琴不断趋向标准化，并以明亮的音色、宽广的音域和丰富的功能获得世人的喜爱。2手风琴类型及应用2.1世界手风琴制造公司及其产品类型当今世界手风琴制造公司大多集中在欧洲地区，尤以意大利最为突出，意大利先后出现的手风琴制造商共有几百家之多，主要活跃在卡斯特尔费达镇上。随着世界各国之间乐器文化交流的深入，至20世纪后半叶，欧洲以外国家也开始陆续生产手风琴。目前，世界主要手风琴公司名称、成立时间及其产品类型见表1。从表1可以看出，键盘和键钮手风琴最受手风琴公司青睐，也说明这两种琴应用最为广泛。手风琴刚兴起时，一些传统的手风琴作坊，或以手工制作为主的公司，大多生产自然音阶手风琴，如意大利Della Noce、奥地利Musik Schwarz等，他们忠于传统的手工做法，所有手风琴零件均以手工方式制作完成。中国手风琴生产商，大多成立于20世纪中后期，刚开始主要生产键盘式手风琴。随着国内很多音乐院校手风琴专业与国际手风琴风尚接轨，键钮手风琴的使用逐渐增多，国内很多厂商开始批量生产键钮式手风琴。还有少量厂商生产自由低音和六角手风琴。2.2手风琴在不同风格音乐中的应用手风琴音乐类型繁多，在欧洲和北美地区，手风琴音乐风格类型包括传统、民间和民族音乐。在其他地区的音乐中，如墨西哥的Nortec、巴西的Sertanejo和Forro，也常見到手风琴身影。手风琴也常用于爵士音乐，北美音乐家弗兰克·马洛克（FrankMarocco）是爵士手风琴演奏家的重要代表。从20世纪初到20世纪60年代，流行音乐中通常能听到手风琴的声音。随着摇滚音乐的普及，欧洲和北美对手风琴的热情有所减弱。然而，在巴西和墨西哥等国家，手风琴仍然是流行音乐的主流乐器。手风琴在不同地区、不同风格音乐中使用的状况见表2。从表2可以看出，不同风格的音乐对手风琴需求也有所变化。一些具有舞曲特色的音乐，大多使用自然音阶手风琴。自然音阶手风琴诞生于19世纪，右手有一至三排不等的键钮，每个键钮按下时至少有两个簧片在振动;左手相关和弦和低音贝司以五度排列。自然音阶手风琴音色明亮、柔美，质量轻，价格便宜。值得一提的是，另一种演奏民族音乐的手风琴——班多钮。班多钮最初主要应用于宗教音乐，后来才应用于世俗音乐，最知名的就是探戈音乐。这种手风琴深受阿根廷、乌拉圭和立陶宛等国家手风琴爱好者喜爱。班多钮既不同于自然音阶手风琴，也不同于键盘、键钮式手风琴，外观如方形盒子，推拉风箱时，产生不同的音高。最具特点的是，其键钮的音高位置并不像钢琴键盘那样以八度关系排列，这极大地考验演奏者对风箱的运用能力。3手风琴之变局3.1电子手风琴的出现电子手风琴的出现标志着现代手风琴变局的开始。与传统手风琴相比，电子手风琴表现力更为丰富。21世纪初，日本罗兰公司在意大利的分公司提出数字手风琴的概念，2004年开始尝试并制作出第一台数字手风琴“V-Accordion”，其内部没有任何簧片，完全由电子振荡器振动发声。电子手风琴是传统手风琴的创新，两者互相交融发展。相比于传统手风琴，电子手风琴重量更轻，可选音色范围广，可使用耳机进行演奏与练习，能储存乐曲、伴奏，可设置音律及音阶排列模式等，同时含有传统手风琴的所有功能和音色。因此，依托科技进步所制造出的电子手风琴给大众带来新的视听享受，如今电子音乐呈现出向人工智能化发展的趋势，势必也会促进电子手风琴的发展。3.2新材料手风琴随着现代科技的发展和新型材料的逐渐推进，碳纤维应用于乐器领域也颇有势头。碳纤维应用于乐器领域具有以下优点：第一，耐腐蚀，碳纤维材料含碳量在90%以上，与酸、碱和有机溶剂不相溶，不随时间的长短改变特性;第二，耐高温，由于含碳量高，则自身含氧量较低，在空气中可以耐受500°c以上的高温;第三，拥有优异的结构可设计性，碳纤维拥有与木质相类似的结构特性，不同的是木材的结构是天然的且不可改变，而碳纤维则可以进行改动设计，并通过工艺及模具将这种设计结构较为完好的复制，这是其他金属等材料不能比拟的;第四，具有稳定的声学性能，传统木质的乐器常会受到温湿度以及微生物等的影响，进而发生乐器破裂、腐蚀等，而碳纤维弥补了木材所带来的弊病;第五，碳纤维质量轻，且柔韧性能高，降低制作过程中的难度。因此，碳纤维应用于乐器领域是新的突破。例如，2015年，碳纤维小提琴首次获得德国乐器奖，获奖小提琴由Mezzo-Forte弦乐专业碳纤维制造商所制作。手风琴领域中，一些乐器设计师和制造商也纷纷选用这种新型材料。例如，BRIGGS ACCORDIONS乐器商研制的碳纤维双声道手风琴（图7），右手键钮23，左手键钮8，风箱尺寸150mm×277mm，拥有与传统手风琴相同的内部结构，但琴箱表面及连接处选用碳纤维布和碳纤维面板制成。从外观结构来看，虽然与传统手风琴无太大差距，但更具现代感和科技感。再列举一个在新材料应用方面较为突出的案例。2017年，麦克·尼尔森（Mike Nelson）作为剑桥咨询公司首席制图员和工程设计师，完成了一种新型手风琴设计，在不影响音质和演奏方式的情况下，使手风琴更为轻巧和舒适。这款手风琴的特点是风箱选用玻璃纤维材料，重量小于1kg;低音贝司外盖通过替换材料减轻重量，并可较为容易地移除以维修内部结构。麦克通过对3种替代材料建模来比较重量。①使用约为3mm厚度的碳纤维完全模塑，重量0.56kg;②完全使用玻璃纤维进行模塑，重量0.75kg;③使用复合方式进行模塑，其中包括1/4厚的碳纤维外壳、4.5mm厚的轻质木材夹层和1/4厚碳纤维内皮，重量约0.16kg（图8）。一直以来，手风琴簧片装配位置的设计是，簧盒上由两侧簧片木板条组成，分别表示不同音区的十二个音，每一个格子水平装着同一音高的两个簧片（图9）。麦克改变其结构，将两侧簧片组连接在一起，且两侧簧片中间并无隔层，两侧簧片与底部构成稳定的三角形结构，可以减轻20%～25%的重量。此模型预计重量为63g（图10）。4手风琴未来发展预测笔者作为一名手风琴多年的演奏者和研究者，本着乐器更轻、音色更丰富的想法，谈谈对手风琴未来发展的看法。（1）手风琴的质量现在已经出现新型材料的手风琴，即在外壳上选用碳纤维材料使重量减轻。未来可尝试使用其他新型材料，如木塑复合材料，它具有抗压、表面硬度高的特点，耐用性优于木质材料，且质量轻、防水防火、耐潮湿等。或是将手风琴内部结构更加优化，如前文提到麦克·尼尔森对手风琴材料和结构的革新。（2）手风琴的规格在习琴过程中，习琴者需要根据身高来选择手风琴的规格。笔者认为，未来在保证一定音质的条件下，将会生产出满足各个年龄段人使用的手风琴规格，这种手风琴多应用于日常娱乐或幼儿音乐启蒙教育中。（3）手风琴的智能化与自动化一台拥有AI作曲功能、辅助性教学功能的智能手风琴，可以使人们较快地入门。将智能手风琴应用于生活中，如旅游、聚会等，可以更好地促进手风琴普及化发展。猜你喜欢新材料手风琴

退休了学什么乐器适合,下面一起来看看本站小编萌核给大家精心整理的答案，希望对您有帮助进乐队乐器学什么好1退休了有大把时间，喜欢乐器就可以着手学习，选择什么样的乐器很关键，毕竟不是年轻人了，要选择容易上手的，不然消磨了热情，浪费时间没结果。管乐类，键盘，弦乐，弹拨，打击乐，数不胜数，我接触过笛子，二胡和中阮，笛子看起来简单，但气息掌控比较难，音色音高全靠气息。二胡大家常见，没有好的乐感，音准一时半会都练不出来就别说音色了。中阮相对容易上手，音准由品决定，当然不会出问题，通过一个拨子的弹跳，就能演奏出音乐，练习快的一个月或许能演奏一首简单的歌曲了，这个乐器的价格也低，一千块钱左右就能买一个初级玩的。容易上手就容易激发你的学习热情和积极性，而且中阮在民乐队里属于多多益善的乐器，跟乐队玩会更有意思，独奏合奏一个都不差。说这么多，你有想法了吗？欢迎大家多多交流，祝老年朋友们快乐每一天！进乐队乐器学什么好2东方儒牛：60岁退休学什么乐器好？盘点最适合退休后学的乐器！很多中老年人退休之后对自己的生活感到很迷茫，突然间闲下来不知道做什么好。不免感觉有些许的落差感，正是因为这样老年人更应该努力挖掘自己的兴趣爱好，做一些自己想做的事情，让心情得到放松。近些年，老年人学乐器似乎逐渐开始成为了一种潮流，很多老人都喜欢在空余时间里学点乐器，以此丰富自己的晚年生活。 那么是不是所有乐器都适合老人学习呢？今天老师特地盘点了一篇适合退休的人学习的乐器，来看看有没有你喜欢的？1. 古筝古筝是一门易学乐器，没有年龄限制，不需要任何基础，只要持之以恒加勤奋练习就一定会学好。古筝演奏本身是一项技能修炼，更是一门形体表演艺术，对人的身心发展具有重要的意义。特别是中老年人，对充实中老年的晚年生活、活跃身心、打造健康体格都发挥着重要的作用！老年人随着年纪的增加，多数都出现了记忆力减退、反应迟缓等情况，古筝的演奏和练习能够帮助推迟老年人大脑的退化。2. 二胡要提到退休后学习的乐器，二胡成为了很多人的首选。二胡的音色具有柔美抒情之特点，发出的声音极富歌唱性，宛如人的歌声。练习二胡有助于锻炼老人肢体协调，减少生活中的意外摔倒机率。手指与人体心脏、大脑神经密切相关，灵活地运动手指，能够促进手指末梢神经的血液循环，降低心脏供血的压力。同时，由于呼吸及音乐节奏的和谐把握，心肺功能也能得到锻炼，有利于大脑与肢体的协调能力。3. 萨克斯随着现在西洋乐的普及，萨克斯以简单、易学、好入门的优势受到了很多中老年人的喜爱，也被誉为“无与伦比的风流乐器”。萨克斯的学习不需要太多的体力，只需要掌握好口型和气息，就很好吹。萨克斯的存在更多的是烘托气氛+制造感染力。萨克斯的音色其实很多变，多变到能够几乎通吃所有风格，是最完美的宣泄感情的独奏乐器。长期练习萨克斯还能锻炼手指灵活性、锻炼肺活量，还能锻炼大脑、防止老年痴呆等。4. 笛子、唢呐、箫和葫芦丝对大多退休的中老年人而言，选择乐器，一般会考虑易学、价格实惠和携带方便，这几种乐器就非常适合。笛子、唢呐声音洪亮有特色；箫和葫芦丝声音低沉优美。同时入门简单，也是非常适合退休的人学习的乐器。5. 琵琶琵琶的表现力是民乐中最为丰富的，它的发音清脆、明亮，富于颗粒性（颗粒性是指它在弹奏一个长音时，不是连绵的一个长音，而是由很多个小短音连成的），手法多样，技法复杂，是重要的独奏乐器，也用于器乐伴奏、合奏、重奏。是很多中老年人的选择之一。6. 手风琴手风琴属于活簧类乐器，是一种既能够独奏，又能伴奏的簧片乐器。由于手风琴特有的音色、音域和方便性等特点，加上上个世纪中后叶的“红色”渲染，深受当代老年学习者的追捧和喜爱。“一台手风琴顶一个乐队。”这句话可不是空穴来风。老年人学习手风琴的好处有：能够有节奏的运动双手手指，配合大脑的指挥，防止老年痴呆症的发生，对中老年人的身心健康也有着一定的积极作用。7. 小提琴小提琴的基本音色特点可以分成三大类：首先，阴柔之美。其音色含蓄典雅、细腻集中、甘醇华丽、忧郁神秘；其次，阳刚之美。其音色浓郁豪放、浑厚深沉、圆润明亮、浩然大气；最后，中庸之美。其音色宽松温暖、厚亮有度、刚柔相济、中庸诙谐。小提琴凭借其与众不同的音色，成功得到众多中老年人的偏爱。老年人学小提琴，要真正学会当然非常困难，但是纯粹娱乐未尝不可。不必拉高深枯燥的练习曲，练练简单音阶及乐曲后，就可直接拉些个人喜爱的简单歌曲。8. 扬琴扬琴，又称“洋琴”“打琴”“敲琴”“钢丝琴”“扇面琴”“蝙蝠琴”“蝴蝶琴”等。中国扬琴是中国乐器中唯一的世界性乐器。琴身呈梯形，以竹质双槌击弦振动发音，音色清脆悦耳，悠扬动听。 扬琴曾作为许多地方戏\曲艺的伴奏乐器，现在除仍然在许多地方戏\曲艺伴奏乐队中广泛使用外，还以多种表演形式如独奏，重奏，协奏等出现在舞台上。深受广大中老年人群的追捧。东方儒牛教育：学习乐器不分早晚，很多中老年人退休后，才有时间和精力重新走进课堂，选择他们喜欢的乐器、课程开始学习。退休的中老年人学乐器不必妄自菲薄，觉得自己没有小孩子学得快学得好。其实，绝大部分人最后都是培养一个爱好，不必过分苛刻的要求自己达到非常专业的表演水平。进乐队乐器学什么好3作为一个爵士鼓手，既会听和声色彩，又能做Bandleader，是一种什么样的体验......作为一个爵士鼓教师，对于学生，既能给予专业上指导，又能提供精神上的支持，是一种什么样的体验......在疫情封控了三个星期后，我们决定将全日制的部分公共课转为线上网课，除此之外，还为全日制的同学开展了纯对内的“答疑解惑”活动，请老师来和大家聊聊天，并解答一些相关问题。当然，聊天内容可以包括但不限于专业知识、情感咨询、美食分享等等。结合统计下来的数据，上周请来了“呼声”较高的徐之曈老师，可以说他是 JZ School 最具人格魅力的老师之一。“对于我来说所有的音乐风格只不过他的玩法不同而已。玩儿的东西不一样，但是最后你会发现，所有的音乐好的那一面，到顶点的那一个点，追求的这个点都是一样的。”作为90后年轻一代爵士音乐家的他，更是对专业、教学、亦或是音乐本身有着独到的见解和认识。同学们叽里呱啦地问了很多问题，本来预计75分钟的活动，最终聊了三个小时.....*以下是我们总结的问答干货*料很足，收获很大！建议大家收藏、在看、转发三连～徐老师在JZ School上大师课鼓、律动和曲子走向01 如何听曲子节奏组的律动？选节奏组里的哪个声音作为参考？首先我们要清楚，节奏组一共有几个乐器。第一个是鼓。第二是贝斯，第三钢琴，第四是吉他，这四个乐器被称之为 rhythm section，节奏组。我们这四个乐器虽然都是节奏组，但是它的作用是不同的。鼓的作用是影响整个曲子的走向、起伏、段落跟段落之间的衔接、律动的变化等等。贝斯的作用一是律动节奏，二是整个曲子的和声性质，他要做得很清楚。钢琴负责和声色彩。他要把色彩做好，吉他其实跟钢琴的作用是一样的。当我们听曲子节奏组的时候，要去看这个曲子是围绕着什么。有的曲子是以律动为主的，那他和声可能很简单，我们主要听鼓跟贝斯的律动。有的曲子以和声色彩变化为主，那你要去听钢琴，听钢琴的色彩是怎么弹的，Version是怎么弹的，律动是如何融入到和声里的，他们的关系是什么。有的是以旋律为主的，那吉他需要做很多旋律的工作，或者很多 Groove 的工作。你自己去找平衡就好了，因为每个段落大家都围绕一个核心嘛，你只要把这个核心判断出来了，大概就知道应该以哪个乐器作为参考。02 作为其他乐器的演奏者，怎么样从鼓的演奏中，扒（学）到一些东西？听鼓的话，主要就是听它给你带来什么样的律动跟曲子走向，我觉得这是鼓这个乐器最能给曲子带来的东西。比如说，强弱的走向，激烈跟不激烈，一般都是鼓手影响整个曲子。钢琴没办法像鼓那样轻松地就能带着整个曲子走。所以我觉得这是鼓这个乐器它的一个优点。当然也是缺点。如果控制不住的话，整个音乐就容易失控。所以你听鼓的时候，不用特别明白他右手在干嘛，左手在干嘛，要听一个整体，他整体想表达的句子的走向。他是上行还是下行？他带来的曲子的音符的律动是密集还是松弛？他给你留了很多空间，还是他塞满了很多？其实管乐跟鼓之间的关系，很多时候就是谁去填这个空间的事情。尤其管乐我会特别注意，他的句子什么时候起，什么时候停，他停的时候停多久。当他起了一个激烈的句子的时候，我是把它让出来，还是跟他去做类似动机的句子。你可以这么去听鼓，他到底想影响曲子往哪个方向走。03 如果一个乐队里有两个鼓，作为一个鼓手，需要考虑什么？我会更注意的是去分配我的音域，就是说我们两个鼓干的事情不能在同一个音域里，这个是需要主要去思考的一个问题。比如说这个曲子这个段落，谁是中高音区谁是低音区。但这个主要还是即兴，如果说另外一个人已经选了偏中的（音域），那你就自然而然地往高处去就好了。04 鼓和贝斯的正拍,一定要合在一起吗？不一定。一个鼓跟一个贝斯，两个人都去玩四分音符，一个打 Ride，一个弹 Walking。有时候他俩是 100% 在一起的，有时候贝斯比鼓前“一点点”，他带领着鼓，然后他俩一直等量地这么进行。有的时候是鼓在前面，带领着贝斯。这个就是看鼓手跟贝斯手之间合作的感觉和默契是什么样的。但这里的“一点点”是很细微的，只是感觉上的“一点点”，音符都是准的，只是感觉在鼓手前面或者在鼓手后面。Swing 和三连音05 在你的节奏课里，为什么要先教大家练 16 分音符，再练三连音呢？其实大家更习惯 16 分音符，因为 16 分音符比三连音要容易，它的感觉要比三连音更容易找到。三连音你想把它做好的话，其实是很难的，他的感觉比 16 分音符要难。所以你为什么玩 Swing 的时候，觉得爵士八分音符很难去做，或者很难去找到三连音的那个感觉，因为他不是整数，可以这么去理解。所以，在课程安排上，16 分音符第一学期的时候学，三连音第二学期学。06 Swing 是不是三连音？爵士八分音符，它不一定是三连音。它可以是宽一点的，也可以是窄一点的。那为什么我们还要去练三连音呢？首先三连音，它是最容易能帮助你找到 Swing 感觉的音符。抽象一点说，你觉得爵士八分音符以什么标准来衡量？没办法衡量，也没办法去固定。我们刚开始学的时候，肯定要有一个标准化的东西，那就是三连音。从音乐的感觉上，他能让你最快、最容易找到 Swing 的连贯性，以及 Swing 的感觉。其次，当你能做好三连音的时候，你也可以做好宽一点和窄一点的东西。这就是我们练三连音的原因，一定要练三连音。07 以前有人说我的 Swing 不够 Swing，怎么样去判断？首先 Swing 不够，我觉得很大的一个原因是你演奏的音符不稳定。如果你从头到尾所有的爵士八分音符都一样的话。那他肯定会稳定，就会觉得很 Swing。如果这一拍和下一拍不一样，或者军鼓用的八分音符，跟 Ride 上的爵士八分音符不一样，那他就会一直捣乱，有杂音，律动上就会左右晃。这种“不稳定”让人很难听进去你的律动，所以就不会很 Swing。解决的办法，就是拿三连音去练，三连音练好了之后，你就能控制好你自己。稳是第一步，然后是音色，之后还有很多工作要做。练琴、Solo 和调性08 不想练琴的时候,怎么跟自己和解？不管是什么样的乐手，他都有苦练琴的一段经历，不管是谁都有这么一个经历。我们其实就回头去想，你现在是不是处在一个这样的阶段呢？如果处在这样一个阶段，你不想练琴的话，是没办法跟自己和解的。因为这段时间不是自己逼自己，就是别人逼自己。我说的这个稍微有点绝对，但是学音乐嘛，技术工种，你不经历这样的一个过程，是没办法学明白的。不想练琴的时候，跟自己和解的方式有很多，我可能不是在乐器上去练，有可能我是听音乐去学习。我有很多其他事情去做，但也可以尽可能地去跟音乐沾边。09 会不会在某一段时间,觉得自己弹的东西怎么听都很不好听？我经常有这样的阶段，我觉得有这样的阶段不是坏事。一般这样的阶段之后，迎来的就是进步，你会有一些新的东西出现。那你怎么能度过这个阶段，你要去合理分析当下不满意的点。你是因为演奏乐器的技术方面，还是因为音乐性方面。他永远是两个平衡木。我这段时间音乐性好一点，技术不好，那我需要去练很多能力方面的事情，去练技术。这边练好了，你会发现很多下意识的东西并不能主动控制，音乐性不行。那你需要听很多音乐，尝试很多跟音乐性有关的练习。永远都是这么进步的，你不可能一个进步很多，然后另外一个不动，这是不可能的。所以说我们最快的进步方式，其实就是你能合理地分析出你自己目前处在什么样的阶段，我到底是技术欠佳还是音乐性欠佳，然后需要补哪个。10 自己的音乐喜好比较单一怎么办？我觉得这个没问题。如果你担心会影响自己吸取不同元素的话，可以多看演出。很多时候我们开始喜欢新的东西、喜欢新的风格，大多是因为看演出来的，而不是只听歌。你如果对一个东西觉得无感，但是你觉得这个是有必要的，那我的建议是你去看一看跟这方面有关的演出。现场演出会对你有帮助，比你听歌要好，因为现场演出会直接刺激到人。听音乐只能让你合理地去分析，让你更理性，但是现场的演出能刺激到你的某根神经。我有几次，在音乐上很大的改观跟进步，都是看演出看来的，我甚至可以清楚说出哪场演出给我什么样的刺激。所以我的建议是多去看现场演出，这个是比较重要的。11 一位 Sax 手提问：Solo 的时候如果状态不好，大脑会一片空白，这种情况怎么去避免呢？所有人演出都是看心情、看状态的，这个状态会影响你大脑想的多少，紧不紧张等等。所以第一，上台的人都要脸皮厚一点。第二，演奏的时候，尽可能地去思考一些句子。你是以句子的形式去 Solo，而不是想我右手要干嘛，我左手要干嘛，练过哪些套子，练过哪些节奏型。其实你跟萨克斯 Solo 的时候想的东西是一样的，只不过是把这些安排在鼓上。我们要从低音到高音，我们也是在打旋律。只不过鼓这个乐器，它没有那么具体的音程。这是缺点也是优点，因为没有具体的音，所以我们容错率稍微高一点。我们可以靠演奏者的想象把它丰富起来。12 扒带对 Solo 有帮助吗？我鼓励所有鼓手都去扒带，扒带很重要的点在于，你去学他们的句子的表达方式。他们如何去构建句子，如何处理前后句子的关系。然后你用这个来练手，我并不希望你们演奏的时候演别人的 Solo，这个东西没用，那个不是你，那是你扒的那个人，但我们可以通过他的思路去学他组建句子的逻辑。13 鼓手要在 Form 里面 Solo 吗？我们所有的鼓 Solo 都一定要在 Form 里面，鼓 Solo 不是随便多少个小节就 Open 好了，鼓手 Solo 在 Form 里的话，那所有其他的乐手也要在鼓 Solo 的时候去数小节，要真的跟着这个曲子的 Form 走。如果是对和声色彩很敏感的鼓手，它会根据曲子的和声色彩去 Solo。刚才有人问，“鼓手 Solo 的时候我丢了怎么办”，有两种可能，一种就是你丢了，另一种是鼓手丢了，在有段落的前提下，你们之后就要自己盘，到底是谁丢了。14 句子的构建有哪些因素？我构建一个句子的时候，会去找他的这个想法是以什么的 motive 作为起点去发展的。大概分析完了之后，看这个动机在前面后面有没有出现，前后句有没有关系，然后再去分析。比如我们有一种说法，叫乐句有 Question 和 Answer 。有的句子是提问的句子，有的句子是回答的句子，那我怎么让我的句子有提问的感觉？有的时候可能用的未解决的音，有时候用的是节奏，比如说用一些 up beat 的节奏作为 问句。有些时候我用解决的音，用一些下行的句子，或者说 Down Beat 的节奏。你去分析前后句的逻辑，分析哪个 Answer 是回答前面的 Question ？有几个 Question 几个 Answer，它持续了多久？它持续了一个 Form 还是两个 Form，还是持续了八小节，或是持续四小节？他什么时候换成另外一种感觉的句子？他围绕什么去做？这都是扒带要去分析的东西。15 同样的调性可以表达不一样的色彩吗？我可以给你讲个故事，这个故事不是我经历的，是我的一个学弟，去找一个德国的玩 Free 很厉害的一个鼓手上课。那个鼓手问的第一个问题，就是你能给我打出一个小七和弦感觉的句子、内容跟 Solo 吗？然后学弟就一脸懵。之后他问，能演奏出一个大调的吗？或者能演奏出一个 sus，能演奏出合成色彩的东西吗？然后那个鼓手说，我现在给你演示，然后他演奏出来的就是那样的感觉。这就回归到这个东西的本质：和声，调性是什么，它就是色彩。如果你对这个敏感的话，色彩影响的是你的情绪。如果你能在这个情绪里选择合理的声音，它符合这样的色彩，那这个东西就是调性。就看你敏感不敏感了，这世界上是有人可以做到的。16 Vocal 需要涉猎乐器吗？还是要自己模仿乐器？我觉得你不需要去模仿任何乐器，因为在 Solo 的时候，你自己本身就是个乐器，你为什么要模仿别的乐器呢？在所有乐器里面，歌手是最难的，因为你需要比所有的乐器多一个步骤，因为你需要练歌词，要学歌词跟你的发音等等，这是所有乐器都不用考虑的。这是唯一一个需要歌手额外去做的事情，而且这个东西特别难。我觉得有两个方向，一种是带歌词的，你作为一个歌手在整个乐队的前面去演唱，第二种是你把自己当做一个乐器。所以为什么你们是 Vocal，而不是 Singer，Vocal是人声嘛。你要把自己当一个乐器，作为一个乐器，其他乐器怎么练的，你就需要怎么去练，而且你是需要拿你的肉身去练，拿你的嗓子去练。你去练solo，所有的和弦音，所有的包围音，所有的解决，所有的这些套路你都要会，你都要知道你唱的是什么音等等。这些都是歌手要做的，所以歌手其实比所有乐器都难。国内 and 国外。17 国外的本科、硕士跟博士的演奏专业，有什么本质性的差异？我觉得国外比较好的一个点就是，它比较清楚的知道他要什么样的学生。所以他本科、硕士、博士的课程安排得比较合理。美国的方式和欧洲可能会不同，在美国你需要自己很拼。欧洲是整个教育系统就让你慢慢学，你也没什么事情做，你就练琴，跟着他学，就能学得差不多。在美国你需要自己很清楚你要什么，因为机会多、人也多，你需要自己去拼一些东西出来。别的我可能给不了什么建议，德国的话本科教育其实是比较偏基础化的，跟我们目前 JZ School 的课程安排比较像。他希望你本科毕业能达到的水平是有一些自己的想法，自己的曲子。硕士是在这个基础上，通过两年的时间来帮助你实现音乐上的想法，你想要干的事情，想要玩的东西，以及所有都是成型的。按理来说，硕士毕业之后，你是可以在这个社会上立足的。有演出也好，有教学也好。所以他整个硕士的课程安排，没有那么基础。课程量也会比本科要少很多，因为它需要学生有时间出去演出，去跟社会挂钩，比如他教你怎么去混音，教你如何出 CD，维护你的版权等，这方面的课会比较多。等到博士的时候，德国的演奏类博士虽然不需要写论文，但要准备 1-3 场毕业音乐会，每个学校要求不一样。入学比本科硕士竞争也要大一些，比如说我本科的话，一个专业录取两个或三个，硕士的话，基本一个专业只录取一个，学校规模大一点的话录取两个。博士是学校所有专业算起来，一起考试分配名额，跟所有的专业合在一起去评判。学校会出一个评委组，这十个老师会有钢琴系、弦乐系、管乐系的教授们，他们给你评判，最后全学校大概 10-15 个名额吧，每个学校情况也不太一样。比如说我考的时候，下面全是古典的老师，没有人懂爵士是什么。他们要给你评分，要决定你入不入，还要跟他自己的学生竞争，整个学校可能也就十个名额，全学校所有学生加起来十个名额，他要分一个给爵士系，所以这件事其实是挺难的。德国是入学难，毕业也比较难。他不像国内上了大学基本就能毕业。我有很多同学从大一读到大三，大四时曲式分析没过，结果被开了。学校的秘书办事快一点，两周就把退学手续给你办好，还没反应过来，你这个专业全德国都上不了了，就只能去别的国家，因为它都是联网的。18 如果说，各方面条件不足以支持出国学习的话，在国内的五六年时间里面，也可以实现爵士乐入门吗？我觉得这就是 JZ School 在做的事情。找的这些老师也好，学校做的事情也好，其实就是让国内的这些人可以有这样的一个教育。其实老师、内容这些跟国外是一样的，大家努力就好了。可能一年不够，那你需要两年、三年、四年，有一个好的专业老师可以引导你的话，其实是一样的。社会上演出的机会也能帮助你提高，我觉得是可以达到的。创作和未来发展19 你怎么看待那些相对比较容易、适口性比较强的音乐？对于我来说所有的音乐风格只不过他的玩法不同而已。玩儿的东西不一样，但是最后你会发现，所有的音乐好的那一面，到顶点的那一个点，追求的这个点都是一样的。国外上学遇到的学古典的比较多，周围没什么学爵士的人，但你也跟大家一起聊，聊很多音乐。从音乐的角度出发，你会发现大家聊的东西其实是一样的，只不过我们演奏音乐的方式不同。20 如果我做出来的东西，大众不接受呢？我觉得「能不能被大众接受」这件事情是靠运气的。不管这个东西是做给我自己，还是做给市场，在艺术层面上自己要过关，剩下的事情，只能是交给别人了。21 真正好的音乐未来在哪里？我们能做些什么？这是个很有意思的话题，大家其实都在掌握这个平衡“市场商业/和自己的艺术追求”。很多人会认为自己搞的艺术，那我不应该向市场/商业妥协，会比较坚持自己的内容。另外一部分人不考虑这个东西是不是自己喜欢的，他只考虑这个东西是不是市场需要的，然后去做些比较能商业化的内容。这两个极端情况其实是我们会看到的，我希望大家在这两件事情中找一个平衡。如果我们回头去看那些艺术家跟大师，你会发现这些人都在商业跟自己的艺术性中间找到了平衡点。我觉得如果你能找到像一个开关一样东西，把这两件事情分开，是比较好的方式。比如说，如果我计划做专辑的话，可能我会做一张满足我自己内容的专辑，那你只需要考虑你想尝试的内容就好。做第二张的时候，就可以考虑能不能在当下这个时代点找到一些平衡，又符合当下市场的内容，但是专辑的内容又是自己觉得可以接受，能符合自己艺术追求的。当然这件事情不是一个绝对的事情，每个人会有不一样的想法，所以音乐才会变得多元。 “我们全面积累了很多东西，那些东西就是为了让我们后面不用思考那么多，不需要通过理论来支撑我去演奏音乐，就是根据我自己当下的，比如说我的情绪，根据我当下的感觉去表达音乐。”作为一个爵士鼓演奏家，他结合理性与感性进行的创作与表达，影响了一批初入爵士的新人。在本次活动中，不同专业的同学都从中有所收获。他不仅仅为大家解答了专业上的困惑，同时也大大鼓舞了一些疲倦的同学，提高了他们的练琴动力，并激发他们的思考。那么，希望正在看这篇文章的你也能够保持积极的心态面对爵士