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论文艺复兴时期的绘画特点
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北京服装学院
硕士学位论文
浅论意大利文艺复兴时期的世俗肖像画
申请学位级别:硕士
专业:艺术学
指导教师:杨道圣
北京服装学院硕十学位论文
浅论意大利文艺复兴时期的世俗肖像画
在文艺复兴时期,绘画与雕塑一样,摆脱了中世纪时作为建筑附庸的地位,取得了完
全的独立。在文艺复兴发源地的意大利,随着人文主义的兴起和传播,世俗肖像画迎来了
它的发展和繁荣期:伴随着商业的发展,拥有了强大经济实力的商人阶级开始向艺术家订
制肖像作品,打破了肖像画专为上层阶级服务的历史,后来下层阶级的民众也加入进来,
君主、教争、红衣主教、廷臣贵族、商人,人文主义者、艺术家、平民等都委托艺术家来
绘制肖像,此时的肖像画呈现出一派欣欣向荣的局面。肖像画之所以如此盛行是与它的功
能密切相关的,它在社会政治领域、个人情感领域所具有的特殊功能,以及它本身的审美
功能可以满足人们的不同的情感需求,这无疑促进了肖像画的繁荣和发展。不但不同时期、
不同地域间的肖像画风格存在着差异,肖像画还有它自身的发展规律。
关键词:意大利;文艺复兴;肖像画;人文主义;世俗性序言 、,,,
原创性声明
本人郑重声明:所呈交的学位论文是本人在导师的指导下独立进行研究工作所取得的
成果,论文中有关资料和数据是实事求是的。除文中已经注明引用的内容外,本沦文不含
任何其他个人或集体已经发表或撰写过的研究成果。对本文的研究做出重要贡献的个人和
集体,均已在文中以明确方式标明。
若有不实之处,本人愿意承担相关法律责任。
学位论文作者签名: 日期:
知年位月/同
学位论文版权使用授权书
学位论文作者完全了解
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[文艺复兴时期的绘画]文艺复兴时期著名的画家（上）_文艺复兴时期的绘画
话题：，，，
乔托?迪?邦多纳 （Giotto di Bondone 1267年－1337年）意大利文艺复兴时期杰出的雕刻家，画家和建筑师，被认定为是意大利文艺复兴时期的开创者，被誉为“欧洲绘画之父”。在英文称呼就如同中文一样，只称他为Giotto，乔托。艺术史家认为乔托应为他的真名，而非Ambrogio (Ambrogiotto) 或Angelo (Angiolotto)的缩写。乔托性格开朗、活泼、机智、幽默。他出生在佛罗伦萨附近韦斯皮亚诺的农村，父亲是贫苦的农民。乔托从小上山放羊，后来在画坊当过学徒和帮工。他是画家契马布埃的学生。少年时代的乔托非常喜欢画画。他一边牧羊，一边用石头或小木棍在地上画些自然景物或由放牧的那些小山羊。有一天，契马布埃路过此地，见他正蹲在地上画画，发觉他天赋不凡，便让他到佛罗伦萨跟着学画。乔托进步很快，他不仅从古今名人的优秀作品中汲取养分，而且突破了中世纪绘画缺乏艺术生命力的缺陷，创作了许多具有生活气息的宗教画。他并不喜欢僵硬的拜占庭绘画风格zltalo-Byzantine{，他认为宗教人物如圣母和耶稣，也是有血有肉的人，因此他特别加强了人物画中的肌理和阴影感，也将过去平板的金或蓝色背景改为透视画法的一般风景。此突破获得宗教界的喜好，使他大受欢迎。乔托曾在佛罗伦萨、罗马、巴多瓦、那不勒斯、米兰、波伦亚、比萨、维罗纳、费拉拉等地制作壁画。他的作品富有立体感，并以自然景物代替中世纪绘画贯用的金色及蓝色背景。从1305年至1308年，乔托在巴多瓦阿累那教堂创作了一组壁画，在教堂的左、中、右三面墙上一共绘有38幅连环画，其内容是描绘圣母及基督的生平事迹。这些壁画被誉为“14世纪意大利艺术的重要纪念碑”。所有壁画至保存完好，参观者络绎不绝，这座教堂成为世界重要艺术宝库之一。在阿累那教堂众多的壁画中，最著名的四幅是：《金门之会》、《逃亡埃及》、《犹大之吻》和《哀悼基督》，后两幅是乔托最有名的杰作。乔托最后的20年是在佛罗伦萨度过的，1334年6月，在乔托67岁高龄时，佛罗伦萨市政厅指定“大师乔托”领导建造大教堂独立式钟楼。可惜生前只建造起一层，为此楼设计了部分浮雕，后由弗朗切斯科?塔兰蒂完成，当今仍堪称佛罗伦萨最优秀的古建筑，与圣玛利亚大教堂并列。当年，佛罗伦萨共和国政府授予他“艺术大师”称号。乔托在艺术上开创的人文主义思想和写实主义的表现方法为控绘画的发展奠定了基础。乔托的绘画影响意大利长达一个世纪之久。历史背景材料补充介绍：乔托可说是圣弗朗西斯教派(St. Francis)的历史画家。圣弗朗西斯教派是1215年由基督教圣徒圣法兰西（Saint Francis of Assisi ，。又译为圣方济）创立的一个宗派。教义以克苦自卑，同情弱者为主。十三世纪原是中古的黑暗时代告终、人类发现一线曙光的时代，是诞生但丁、培根、托马斯?阿奎那（Thomas Aquinas）的时代。圣法兰西在当时苦修布道，说宗教并非只是一种应该崇奉的主义，而其神圣的传说、壮丽的仪式、圣徒的行述、圣经的记载，都是对于人类心灵最亲昵的情感的表现。以前人们所认识的宗教是可怕的，圣法兰西却使宗教成为大众的亲切的安慰者。他颂赞自然，颂赞生物。相传他向鸟兽说教时，称燕子为“我的燕姊”，称树木为“我的树兄”。他说圣母是一个慈母，耶稣是一个娇儿，正和世间一切的慈母爱子一样。他要人们认识充满着无边的爱的宗教而皈依信服，奉为精神上的主宰。圣法兰西这般仁慈博爱的教义，在艺术上纯粹是出新的材料。显然，过去的绘画是不够表现这种含着温柔与眼泪的情绪了。乔托的壁画即是适应此种新的情绪而产生的新艺术。乔托个人的历史，很少确切的资料足资依据。相传他是一个富有思想的聪慧之士，和但丁相契，在当时被认为非常博学的人。佛罗伦萨人委托乔托主持建造当地的钟楼时，曾有下列一条决议案：“在这诸如在其他的许多事业中一样，世界上再不能找到比他更胜任的人。”艺术革命有一个永远不变的公式：当一种艺术渐趋呆滞死板，不能再行表现时代趋向的时候，必得要回返自然，相其汲取新艺术的灵感。据说乔托是近世绘画始祖契马布埃（Cimabue）的学生。但他童年时已在荒僻的山野描绘过大自然。因此，他一出老师的工作室，便能摆脱传统的成法而回到他从大自然所的教训――单纯与朴素上去。他的艺术，是表现圣法兰西教义的艺术。他的简洁的手法、无猜的心情，最足表彰圣法兰西的纯真朴素的爱的宗教。从今以后，那些悬在空中的圣徒与圣母，背后戴着一道沉重的金光，用贵重的彩石镶嵌起来的图像，再不能激动人们的心魂了。这时候，乔托在教堂的墙壁上，把法兰西斯的动人的故事，可爱的圣母与耶稣，先知者与使徒，一组一组地描绘下来，都像当时记载这些宗教故事的传略一样，使十三四世纪的民众感到为富丽的拜占庭绘画所没有的热情与信仰。乔托的素描与构图同样是单纯、简洁。这是乔托的特点。乔托全部作品，都具有单纯而严肃的美。这种美与其他的美一样，是一种和谐。现代美术师家贝朗逊(B．Befeason)曾这样评价道：“绘画之有热情的流露，生命的自白，与神明的皈依者，自乔托始。这也是文艺复兴绘画所共有的精神。那么，乔托之被视为文艺复兴之先驱与佛罗伦萨画派之始祖，无论从精神上或形式上来讲，都是精当不过的评语了。美术界但丁式的人物乔托是中世纪最后一位画家，也是新时代第一位画家。尽管他的绘画主题仍然以宗教内容为主，尽管他的绘画还带有近似中世纪蛮族美术的稚气，但在他的绘画中却潜藏着与宗教文化相对独立的世俗精神和与蛮族美术相对独立的客观精神。实际上，这即是希腊、罗马古典艺术中人本主义精神和“模仿说”的本质再现。从乔托的《宝座上的圣母》来看，虽然它的构图布局几乎没有超越中世纪画家的惯例，但在他的画中已看不到金碧辉煌的装饰趣味和飘然若仙的人物罗列了；那坚实的体积，那纵深的空间反映了乔托的绘画与中世纪绘画的明显差异，这种差异的关键并不在于技法，而在于观念。乔托全新的艺术观不仅在他的艺术中创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界，而且为后人提供了一种研究和表达自然的艺术实验方式。自乔托以后，西方艺术家才逐渐的认识到，只有可视的客观物质世界，才是获取真知，取之不尽，用之不竭的重要源泉。代表作：《金门相会》《犹大之吻》《哀悼耶稣》《逃亡埃及》 36岁移居帕多瓦城，在那里创作了著名的阿雷纳教堂耶稣故事壁画，几乎所有画面，都贯穿着统一的蓝色天空色彩，在下面塑造出一排富有寓意性的人物形象――仁慈、智慧、贪婪、背叛、固执、暴政等。乔托的作品：《哀悼基督》《犹大之吻》《约亚契姆与牧羊人》取材于《黄金传说》《庄严的圣母子》《逃亡埃及》马萨乔马萨乔 (Masaccio，)意大利文艺复兴时代画家，1401 年12月 21日生于圣乔瓦尼?瓦尔达诺，1422年加入圣路加工会（正统的画家行会），1428年秋卒于罗马。原名托马索?迪乔瓦尼?迪西莫内?圭迪，马萨乔是其绰号，有“傻瓜”之意（意为“不高明的画家”），因为他作风懒散，除了艺术，对什么都漠不关心，性格放荡不羁，但在艺术上很受同行们的器重。马萨乔的父亲在马萨乔五岁那年就去世了。马萨乔的母亲不久就改嫁给一个上了年纪的殷实的药剂师。不过马萨乔并没有随母亲跟过去，他和他的弟弟乔瓦尼 (后来也成为画家) 坚持住在自己家里。他出身清贫，艺术师承不明，但在21岁时已获准加入画师行会。马萨乔早期作品着重写实，画中人物具有明显的雕塑感，代表作是1961年发现的圣焦韦纳莱教堂祭坛画《圣母子与诸圣徒》，对了解他早期创作极有帮助。此画表现圣母朴实粗壮有如农妇，婴孩耶稣作吮吸手指的天真情态，和当时流行的宗教画完全异趣，说明马萨乔着重写实的特色；画中人物体态具有明显的雕像塑形感。其他作品还有年为佛罗伦萨几个教堂绘制的壁画，如《三位一体》、《纳税银》等。画面朴实无华，人物坚定沉着，显示了文艺复兴美术的基本特色：现实主义表现手法与人文主义精神内容的统一。此后他与多纳太罗和F.布鲁内莱斯基友谊甚笃，3人皆为15世纪文艺复兴美术的发展作出贡献。1428年马萨乔离开佛罗伦萨前往罗马，不久就传来他死去的消息。这位年轻的画家年仅27岁。马萨乔是意大利文艺复兴的先驱，他短暂的一生带来了一场绘画革命，他是最早在画面上自由地运用远近法（透视法）来处理三度空间关系的优秀画家，他的绘画技法成为西欧美术发展的基础。马萨乔的代表作为佛罗伦萨卡尔米内教堂的布兰卡奇礼拜堂壁画（）、圣玛丽亚诺韦拉教堂的《三位一体》祭坛画（约1427），以及为比萨的卡尔米内教堂作的一组多屏祭坛画（1426，分藏于伦敦、柏林、那不勒斯等地）。布兰卡奇礼拜堂壁画最初由画家马索利诺绘制，马萨乔后来参与协作（他俩时常合作），其间马索利诺一度赴匈牙利作画，因此有几幅完全出自马萨乔一人之手。这些壁画虽仍为宗教题材，却以合乎科学法则的写实手法表现，人物坚定沉着、朴实无华，洋溢着人文主义精神。如《纳税银》，表现罗马税吏向耶稣收税的故事，画面以中央的基督及其门人群像为主，全面透视焦点集中于基督头部，光线和礼拜堂窗口进光方向一致，构成了前所未有的富于真实感的效果。《三位一体》祭坛画则以极为杰出的建筑背景的透视表现著称，人物描绘除发挥马萨乔固有的雄浑朴实风格而外，还注意了三角形构图的稳定，被认为是其最成熟的作品。马萨乔通过这些作品显示了文艺复兴绘画的基本特色：现实主义表现手法与人文主义精神内容的统一，对日后影响极大。他虽由于过早去世无直传弟子，但整个15世纪佛罗伦萨画派皆承袭他的传统，盛赞布兰卡奇礼拜堂为所有艺术大师之学校。《纳税银》《新约》故事说：耶稣带门徒布道，路经一个关卡，收税人上前拦住他们的去路，要收他们的丁税，耶稣问彼得“你说我是谁？”彼得答“你是基督”（即上帝的儿子），耶稣说既然是上帝的儿子就不能交丁税，但不交税是不能过关的，于是吩咐彼得到池塘里去捕鱼，说鱼口里有一块银币可作税钱，于是彼得入塘捕鱼得银交于收税人。这副画上以连环的形式描绘了三个情节：阻拦、捉鱼及交付丁税。 这个宗教故事完全被画家描绘成真实的世俗场面，画中人都是画家同时代的普通百姓，他们按自己身份和所处的地位，被恰当地安置在真实的自然环境中，符合空间透视法则，具有深远感，人物被塑造得庄严而厚重，结构明确而清晰。瓦萨利说：“马萨乔使他的画中的人物脚踏实地、稳固地站立在土地上。”马萨乔首先注意到光对于表现物体的作用，使画中物象充满了光线与空气；而通过光与空气的描绘，使画面上的人物与环境产生距离的感觉。马萨乔的艺术探索，为现实主义艺术创作奠定了基础。《圣母玛利亚》《圣母子》双腿仍处于襁褓之中的圣婴在同母亲对话，他抓住母亲的手，寻找一种安全感；母亲的手轻轻地抱着他，像是托抱着一个“思想”，一个没有重量但又娇嫩的极其珍贵的包裹。画中圣母的右手伸向男孩的脖子，轻轻地移动像念珠般的小项链，从这个小项链上垂下一个红珊瑚的小分支，暗示耶稣为拯救人类的罪孽而奉献出来的鲜血。圣母的头巾和蓝色披风上的明显而柔和的皱纹，也加强了人物在空间中的立体感。以夺目的金色为背景是对不确定的空间的故意抽象，以突出人物的整体性，使衬托轮廓的衣褶更加鲜明。同时，圣子的头部限制在一个受保护的、封闭的角落中，使他在那里接受母亲的如此全神贯注的温柔，这样的描绘把一个刻板的虔诚形象变为栩栩如生的画中人的形象。《圣三位一体像》马萨乔的艺术生涯是在十五世纪初佛罗伦萨炽热的革新气氛中开始的。最初他以比他年长、而且已有名气的马索利诺?达帕尼卡莱的合作为起点，在他年轻的时候就被介绍到后者的画坊里学习绘画艺术，最后以在罗马为教皇们服务而告终。他的活动像掠过当时艺术界的一道闪电，1422年他已经是“医药行会”的成员，这个团体除了那些真正行医的医生和包装药品的商人以外，还包括一些需要颜料的画家。这些画家向药店购买颜料，而药店不仅进口、销售颜料，有时还加工一些颜料。如果说有些颜料是以矿物为基础的话，那么另一些颜料则是从植物中提取而成的有机物质。他的第一幅可确定的独立完成的作品是1422年所作的多折祭坛画，今天仍保存在阿雷佐附近的卡西亚的圣乔韦纳莱小教堂里。乌斐济美术馆保存的是他的作品《圣母子与圣安娜》（即画有圣安娜和她的女儿圣母玛丽亚以及圣子耶稣的那幅画），那幅画是从圣安布罗乔教堂来到佛罗伦萨的，有关评论认为，从那幅画中可以根据创造立体效果的明暗处理手法或塑造人物的“造型”的手法，区别出哪些是马萨乔本人所画，哪些出自马索利诺（约年?）之手。他在一生中都几乎同马索利诺一起工作，无论在佛罗伦萨的卡尔米内大教堂内为费利切?布兰卡奇绘连环壁画（年），还是在罗马的圣克莱门特的最后工作阶段都是如此。由于他的生命短暂，单独完成的作品很少，其中首先就是这幅现在已被拆开的多折祭坛画。正如十六世纪艺术史所指出的那样，他作为西方艺术语言的革新者的影响使他处于不可超越的重要地位。才华横溢的博纳罗蒂?米开朗琪罗本人，年轻时就临摹了马萨乔在卡尔米内教堂画的人物，并为我们留下了一幅至今能看到的珍贵素描。而这幅为卡西尼红衣主教个人供奉而绘制的小木板画，其背面可以看到带彩色和兵器图案、上面还有一顶红衣主教帽子的家族纹章，这幅画应当是作于授予这位高级教士显要职位的同一时间，即大约在日左右。在画面构图和母子关系的处理上，作品似乎在某种程度上受到叙述体场面的影响，如圣家庭（圣朱塞佩、圣母和圣子）逃亡埃及场面的影响。实际上，这样充满人性化对话形象的创作，在意大利艺术史上还是没有先例的。正如卢恰诺?贝洛西所指出的，罗贝尔托?隆吉在评论这幅小画时,认为它表现出巨大的智慧，与菲利波?布鲁内莱斯基（年）的艺术活动相一致，饱含着难以企及的人性的“慈爱”。这幅画之所以成为艺术家的杰作之一，实际上在于这位艺术家善于集中处理经常反复出现的肖像题材，使画中的人物能够得到很好的个性化解读。凡.艾克兄弟凡?埃克兄弟是指14世纪到15世纪尼德兰画家胡伯特?凡埃克(年)和扬?凡埃克(41年)兄弟。1415年根特市长约多库斯?威德向胡伯特?凡埃克订制祭坛画，他画了10年，未完成就去逝了，后由弟弟扬?凡埃克继续完成，安置在根特圣贝文教堂。这是一组具有里程碑意义的划时代巨作，它标志着一个新时代的到来和人文主义艺术的诞生，并奠定了尼德兰文艺复兴艺术的基础。由于《根特祭坛画》是运用油调颜色绘制而成，因此凡埃克兄弟成为欧洲油画的创始人。《根特祭坛画》局部所谓祭坛画，是画在木板上安置在教堂圣坛前面的画，有的类似可以折叠的屏风画。 《根特祭坛画》是一种多翼式“开闭形”祭坛组画。每逢节日的礼拜盛会，祭坛的两翼伴随着音乐旋律被徐徐打开，辉煌夺目的12幅祭坛画便呈现在人们的眼前。它分成上、下两段和左右两翼，上段的中央是基督，两旁是圣母玛利亚和洗礼者约翰。两翼的内侧是《合唱的天使们》《奏乐的天使们》，外侧是亚当和夏娃，下段的中央是《羔羊的颂赞》，两翼左两侧是《骑士》和《裁判官》，右侧是《隐者》和《巡礼者》。在平日，祭坛的两翼是闭合的，人们只能看到两翼外侧的画面。《根特祭坛画》的题材虽来源于宗教，但画家以对现实世界的肯定和赞美的态度，以及对人物的细致和写实的描绘，构成了这幅作品的基调，从而使整个画面充满诗意，并具有无穷艺术魅力。《根特祭坛画》可以称为世界上第一件真正的油画作品，色彩鲜明，辉煌艳丽，经过数百年之后，画面仍然如初，这在当时的确是一种绘画技法上的突进。所以，《根特祭坛画》在绘画史上的意义，远远超出了一般的思想内容和艺术形式处理上的革新和独创，而是开创了整个欧洲绘画的新纪元。《乔凡尼?阿尔诺芬尼夫妇像》扬?凡埃克更擅长画肖像，他已完全摆脱了中世纪那种拘谨的传统，而能真实地再现人物的外貌和个性特征，《乔凡尼?阿尔诺芬尼夫妇像》就是他的代表作品。阿尔诺芬尼是在1420年被菲利普公爵封为骑士的真实人物。画家真实地描绘了典型的资产者形象，不仅再现夫妇外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。《乔凡尼?阿尔诺芬尼夫妇肖像》中的人物手势动作、环境道具都有民俗的含义，十分有趣：阿尔诺芬尼夫妇的手势表示互相的忠贞，托着妻子的手表示丈夫要永远养活妻子；而妻子手心向上表明要永远忠于丈夫。华贵衣饰表明人物的富有；画面上方悬挂的吊灯点着一支蜡烛，意为通向天堂的光明；画下角置一双拖鞋表示结婚，脚边的小狗表示忠诚，女子的白头巾表示贞洁、处女，绿色代表生育，床上的红颜色象征性和谐，窗台上的苹果代表平安，墙上的念珠代表虔诚，刷帚意味着纯洁；画面中间带角边的圆镜代表天堂之意。所有这些象征物既有基督教的信仰，又有世俗的观念，画家都一一收入画中，作了极为细致的描绘。在人物中间的墙上挂着一面镜子，镜框带有10个突出的朵状方形，每个方形内又置一个小圆形，每个圆形内画一幅耶稣故事画，图像细小到难以识别。中心圆镜内反射出整个房间的景物。这种精微工整细腻的油画世界罕见，也只有在尼德兰的细密画中可以见到。据说这种精微的描绘连现代摄影家都为之惊叹，使用镜子反射来扩大画面的空间，是这幅杰作的又一特色，这些艺术特色对后来荷兰的风俗画有很大的影响和启示。《根特祭坛画》局部《根特祭坛画》韦罗基奥韦罗基奥（）Verrocchio，Andreadel安德烈亚?韦罗基奥，意大利雕刻家，画家。生于佛罗伦萨，卒于威尼斯。从学习金银工艺进入艺坛，又吸收L.吉贝尔蒂和多纳太罗的艺术精华，并培养了许多美术人才，他的工作室培养了文艺复兴时期最伟大的艺术家波提切利、达芬奇和基兰达伊奥。他的作品主要是青铜雕像，代表作是安置在佛罗伦萨奥尔圣米凯莱教堂壁龛的《基督与圣托马斯》群像。另一件是作于威尼斯的《科莱奥尼骑马像》。此作虽是在他死后由别人续成，但仍依就他的创作思想和表现手法。雕像性格鲜明，飘洒自然，反映了15世纪后期雕刻的新风格。他的绘画作品传世较少，最有名的是与达?芬奇合作的《基督受洗》，画面上两个主要人物均出自他手。《基督与圣托马斯》群像(),表现圣托马斯对基督死后复活表示怀疑,因而用手触摸基督伤处的故事。雕像人物性格鲜明,衣褶飘洒自然,其手势尤富于表现力。《大卫像》《科莱奥尼骑马像》()此雕像在他死后虽由别人续成，但基本上还是依就他的创作思想和表现手法。科莱奥尼是佣兵队长，艺术家却以理想的英雄气概来表现人物。人和马的动作激烈紧张，反映了15世纪后期雕刻的新风格。《基督受洗》(约1470)画中主要人物基督与施洗约翰都是他绘的，基督身旁最左面一位天使则出自达*芬奇之手。韦罗基奥绘画中的人物精于写实，但神态紧张，表情外露。格列柯格列柯（El Greco，）西班牙画家。生于希腊克里特岛的伊拉克利翁，日卒於托莱多。原名D.特奥托科波洛斯，由於生于希腊的克里特岛，後被称为格列柯，意即希腊人。早年，在故乡学画，1560年到了威尼斯，进入提香的画室，这使他从中世纪美术的圈子走向一个新的时代。丁托列托和韦罗内塞，P.也都曾经给过他有益的启示。1570年他到罗马，醉心於拉斐尔与米开朗琪罗的艺术。他也受到样式主义的影响，在他的创作中常见的变形与激情，就与样式主义艺术有一定的联系。他在这一时期创作的作品主要有《圣母升天》(1577)、《受胎告知》()等。1577年春，格列柯来到了西班牙，这是他创作生涯上的新的转折。16世纪下半叶西班牙国力日衰，宗教势力横行，人民生活极其贫困。在美术方面，宫廷里一些画家大都墨守成规，画一些呆板的宫廷肖像画。格列柯本想在马德里干一番事业，结果因未受到重视而大失所望。不久，他来到了西班牙的故都托莱多。托莱多是西班牙没落贵族聚居的地方，这里的卡斯提尔旧贵族和国王有矛盾。国王在1561年迁都後，这里更是充满了荒凉、寂寞的气氛。格列柯来到这里，意想不到地受到了旧贵族们的热烈欢迎，从此失意的格列柯便与失意的旧贵族在思想上取得了某些共鸣。他在托莱多的主要作品有《莫里斯的殉教》()和《奥尔加斯伯爵下葬》()。《奥尔加斯伯爵下葬》虽然描绘的是宗教仪式场面，但是又多少带有一点哲理的意味。画面上的人物，神色茫然，好像正在面对生与死、现实与幻觉而陷入沉思《奥尔加斯伯爵下葬》() )。苦闷、怀疑、沉思像音乐中的主旋律，成了格列柯作品中的基调。90年代他还画了一系列优美的圣母和圣母子像，其中最典型的是《圣家族》()。1600年以後，格列柯进入了後期创作阶段，这时他的心情更加激动不安，性格变得越来越古怪、孤僻、狂放、易怒。当时，人们已把他看作是一个怪人。他的这种激动不安的心情反映到了他的作品上，画面上的人物、自然风景常常处在扭曲状态之中，充满了不可遏制的激情，作品有时还带有一定的宗教神秘主义的色彩。这个时期的代表作品有《拉奥孔》(约)、《揭开第五印》()、《托莱多风景》(约） 及一组使徒肖像。这些画不再是宁静的思考，而是充满了忧郁与悲怆的气息，人物形像被任意扭曲、拉长和变形。格列柯一生也画了不少的肖像画，他的肖像画力求传神，深入到人物的内心世界，人物有著丰富而复杂的内心活动。如《红衣主教唐费尔南多?尼尼奥?德格瓦拉》()、《僧侣费利克斯?奥滕西奥?帕拉维西诺》(1609)、《自画像》等。格列柯是一位天才而又非常复杂的人物。他的作品像一块多棱镜，曲折地反映了西班牙16世纪下半叶动汤的西班牙社会和没落的旧贵族的精神危机。他的局限性是未能走出贵族世界而与广大人民群众结合。20世纪初，他的艺术重新被认识，作品中所具有的现代性备受欣赏和注目。格列柯的一生是在半封闭的状态中度过的，他有意识地逃避现实社会，不甘也是不敢面对大众，把他在阴暗的画室中的冥想带到了画布上。多种因素的作用构成了格列柯独树一帜的艺术风格，而人们对于其特点的评价也是各不相同：很多人接受不了他的特点，而有一些人能接受也只是限于在它的自然色调方面――有人怀疑埃尔 格列柯可能有视力上的缺陷，还有人甚至认为埃尔 格列柯吸毒。事实情况是，如果仔细了解一下画家在托雷多环境中的学艺和出师成熟的历程，你会很容易地发现他原来是个具有自己独特见解的矫饰画派的天才艺术家。作为一个圣像画家，格列柯很早便接受的拜占庭艺术的熏陶，而这艺术风格的对他的影响巨大，主要表现在一些形象的象征主义色彩上，诸如祈福的基督，圣像头顶上长棱形的光环，表情和其他多种多样的形式上的反映体现。在威尼斯的逗留使其掌握了一种泛描淡抹的艺术技巧，当然其中少不了一些具有华丽艺术效果的别致而又丰富的色彩的搭配。 除了洋红色和黄色之外，格列柯还大量运用一系列冷色调如白色，绿色，蓝色和灰色等，这些因素都让人觉得他的风格与其说是和提香风格相近，不如说是丁托列托风格的后续。格列柯吸收了丁托列托艺术风格中的强烈光线反差，大胆的透视图，戏剧性的延伸效果; 甚至非常有可能是受了巴萨诺的影响，他采用了具有特殊表现力的一些趣闻轶事元素和一些夜景场面。格列柯在意大利的旅行和在罗马的逗留让他开始和米开朗琪罗一样发现了裸体的神秘感， 并且使得他开始运用一些动感的和雕琢不自然的构图，尤其是通过采用物体外形被拉长和延伸的艺术手段，他赋予了人体一种仿佛正在燃烧着的造型效果。按照他的艺术风格发展演变过程，这一拉长扭曲物体的艺术手段应当是属于那个非物质表现风格的时期。实际上这一手法也是全世界矫饰主义画派的表现手法，雕塑家阿隆索.布鲁格特便曾经将这一手法运用到了在卡斯蒂亚的对拱顶的独立侧拱和浮雕的创作过程中。格列柯创作肖像画和宗教题材画，还画一些奇异风景图，一些的诡怪画。他还从事雕塑艺术创作，并且根据最新的资料表明，他也是个建筑方面的专家。很多人根据他的画风，判断他私下里肯定是个性格神秘而且古怪的人，其实不然，事实上格列柯是个很懂情趣的人，喜欢音乐和读书，喜欢生活的舒适和愉快， 而且喜欢一些智慧和文雅的交谈。然而，他的宗教题材画作虽然讲述表现的是精神方面的东西，事实却充满了非现实的幻想鬼怪色调：那些消失在云霄的透明的形象，那些失去了人体载物貌似毫无重量的缓缓升起的模样，那些带着闪闪光芒的充满了各种各样艳丽色彩的瀑布，还有那个暴风雨来临前呈现出神秘表情的被幽灵笼罩似的苍穹，都是其众多作品中的一些常用基本意象。当我们把这些意象放到画家当时的生活背景中（国内遍布着反宗教改革的氛围）来看待时，便能够理解所有这些都是在常理之中的。也正是那个时代背景能够对于我们关于格列柯的许多疑惑给以解释：大胆的创意，作品构图中多样元素的重复和模仿。大多数的作品都是在他那个硕果丰硕的画室里完成的。他的墓志上这样写道：他用笔给木头以灵魂，给画布以生命。1557年画家来到了西班牙,然而满腔热情的格列柯并未受到重视而大失所望,之后则去托莱多,那是一个没落贵族聚居的地方,画家在这里找到知音并在此度过终生。格列柯作品赏析：小荷尔拜因荷尔拜因(～1543)德国绘画在16世纪时出现了三位具有世界意义的大师:丢勒()、格吕内瓦尔德(约8)、荷尔拜因()。其中以荷尔拜因的年龄最小,但他的创作活动却最富划时代意义。因为他正处在德国宗教改革运动的尾声,而德国的农民战争也已结束,全德境内正面临着一个沉寂和低潮的时刻。荷尔拜因的故乡是奥格斯堡,它是德国南部最大的工商业都市,它与瑞士的巴塞尔较近(位于德、瑞边境)。画家也基本上在这一带活动,后又去了英国。所以,荷尔拜因的艺术从精神气质上与题材内容上都开始发生变化,与上述两位画家均有不同,也即说,他开始走出国界，为德国的资本主义开发打开了一扇窗户。荷尔拜因生于奥格斯堡，卒于英国伦敦，亦称小荷尔拜因，以区别于其父老荷尔拜因。父子俩皆为画家，但小荷尔拜因成就尤著，是德国文艺复兴美术主要代表，与A.丢勒、M.格吕内瓦尔德齐名。生平　荷尔拜因幼年即随其父学画，深得精工写实 的家传,1514年与其兄前往瑞士的巴塞尔工作,即以技艺 高超大受欢迎。巴塞尔当时已是新兴印刷业和人文主义 学术的一大中心，荷尔拜因不仅和当地市民、出版商等 交谊甚笃,还结识了著名的人文主义学者D.伊拉斯谟,接 受新思想的薰陶，画艺也更有长进。1517年，荷尔拜因 经卢塞恩南游意大利，归来后成为巴塞尔画界名家，作 坊顾客盈门。1524年作法国之行，1526年又经尼德兰渡 海作首次英国之行，此时他的艺术，特别是肖像画已获 国际盛誉。在从英国回归巴塞尔后不久，又于1532年迁 居英国。荷尔拜因一生勤于创作，肖像画、宗教画与版 画作品皆很丰富，艺术风格以精细绵密、清逸淡雅见长， 在写实传真力求形似这一点上极有成就。肖像画　荷尔拜因艺术的最大成就是肖像画。他19 岁时画的巴塞尔市长J.迈尔的肖像是其成名之作。这幅 《迈尔像》(1516)与迈尔之妻的肖像是一对，故取侧面 相对姿态。迈尔以市民身份获选市长，是新兴资产阶级 中的代表人物，荷尔拜因此像也着重刻画他的市民风貌， 在逼真生动之中显露沉着舒坦的神情。这幅早期作品已 表明荷尔拜因非同一般的艺术才华，他的淡雅自然的风 格在德瑞画坛独树一帜。此后在居留巴塞尔期间，他为许多市民画了肖像,杰作叠出,但最成功的作品无疑是他为伊拉斯谟画的3幅肖像(分别藏于巴塞尔、巴黎等地)。 伊拉斯谟既是他思想上的老师,也是他事业上的指导,因 此他笔下的这位学界泰斗令人觉得可亲可敬，完美地塑 造了体现学者的性格和思想的艺术形象。以现藏巴黎的 那幅为例：画中伊拉斯谟侧面而坐,全神贯注于写作,姿态表情与背景陈设皆饱含安详、冷静与文雅的气氛，虽 只是一幅侧面半身肖像，却典型地反映了时代的特点。从荷尔拜因长期为伊拉斯谟写生作画、底稿甚多的情况 看，他最后选定侧身而坐垂目凝神的典型姿态是经过长 期观察的结果,而在这极富表现力的姿态上,他对面部皮肤、脸部以及写字的手的刻画又力求细致，近乎科学性的精密,但笔调与设色又着重柔和,衣帽与背景挂毡的色调配合极佳，从而使此画真而不俗，全而不杂，成为西方最著名的肖像画之一(《伊拉斯谟》(1523))。定居英国后，荷尔拜因主要为王室及宫廷显贵画像，其中虽有佳作，但表现的气氛已较矜持呆板，例如《亨利八世像》，人物画貌的刻画已不如珠光宝气的服饰精彩。然而在写实传真方面,这些后期作品却仍是精益求精,达到了前所未有的高度，代表作如《吉斯策像》（1532）、 《大使像》(1533)和《莫莱特像》等，人物与环境的描画都精细无比，可置于放大镜中审视，而整体上又不失其明快、秀逸的风格。宗教画及版画　荷尔拜因宗教画的杰作有《索洛图 恩的圣母》(1522)和《达姆施塔特的圣母》(1528)，皆以所藏城市命名。两画都吸收了意大利艺术的影响，构图均衡和谐，圣母形象着重朴实平凡的神态，在文艺复兴的圣母像中独具一格。荷尔拜因还是杰出的版画艺术家，他曾为巴塞尔出版的许多书籍作插图，其中最著名 的是为伊拉斯谟的《愚人颂》作的插图，是印刷史上图 文兼茂、相得益彰的范例。他最成功的版画作品是1525 ～1526年作的《死神之舞》组画，共41幅。死神威胁一 切阶层的故事反映了群众中流行的宗教思想，有愤世嫉 俗之意，木刻线条流畅简约，风格洒脱，在内容和形式 上都极受群众欢迎。他的死因:如你所见,他是亨利八世的宠臣,擅长绘画,但这也是他送命的主要原因.因为画家们总是习惯于把丑女描绘成天仙以取悦他的客户.在亨利八世的第三个老婆顺利生产然后死掉以后,亨利八世决定找第4个老婆,并且希望他第4个老婆是外国的公主,这样就可以开洋荤,而且可以建立外交关系.于是他派大画家汉斯?荷尔拜因 出国考察,去描绘一些贵族少女的肖像,然后送回国来给他作参考,因为政治联姻的规矩是结婚前不许看新娘的脸,这样才显得有诚意.汉斯?荷尔拜因仍然没有理智地丢开自己的职业习惯,于是,天真甜蜜的克莱沃的安妮的肖像被送来了. 亨利八世看了很满意,就提亲了.结果见到公主本人的时候,亨利八世倒吸了一口凉气,但这已经无法挽回了,如果这时要求退货,就必须准备打战,为了世界和平,亨利八世只好忍气吞声,把公主收下了..盛怒之下,他把 汉斯?荷尔拜因 送上军事法庭,以判国罪,乱伦,通奸,造假币等捏造罪名把他给砍了,而安妮公主则被迫和亨利八世离婚并结拜兄妹.仍然被软禁在英国,不过她过的很幸福.并且在亨利八世第五个老婆红杏出墙而被砍头后,她仍然想和亨利八世复婚,但被她的"干哥哥"坚决拒绝了.他说自己还没到那种饥不择食的地步.　　小汉斯?荷尔拜因（Hans Holbein,the Younger）《波尼法西乌斯?阿莫巴赫像》（年）小汉斯?荷尔拜因 Hans Holbein,the Younger《多罗特亚?克兰吉赛尔像》（年）( A. a: c0 j. J2 S) }4 s1 t& ~8 X) i, v, g5 C小汉斯?荷尔拜因《让?美西亚》（Hans Holbein,the Younger）（年）( A. a: c0 j. J2 S) }4 小汉斯?荷尔拜因《大使们》（Hans Holbein,the Younger）（年）4 小汉斯?荷尔拜因《尼克劳斯?克劳策尔》（Hans Holbein,the Younger）（年）多那太罗多那太罗（donatello，）Donatello 多那太罗，意大利文艺复兴伟大的雕塑家。他师从基培尔提，其成就超过了老师。他是首先使用线性透视的艺术家之一。其成就之一表现在运用了最浅浮雕的技术。他还是第一个恢复和继承古罗马骑马像传统的雕刻家，他的艺术代表文艺复兴早期现实主义雕刻的顶峰。15世纪最伟大的雕刻家、意大利文艺复兴初期写实主义创始人。全名为多那托?迪?尼科罗?迪?贝托?巴地，多那太罗是他的外号。其作品体现出意大利人文主义者所设想的新人的形象，对于15世纪和以后的雕刻、绘画具有深远影响。要求艺术自由，对古代雕刻有深入广泛的研究。他生于意大利的佛罗伦萨，早年丧父，其艺术生涯是从在当时著名的雕塑家吉贝尔蒂那里当助手开始的。幼年学铜雕。约年间是当时著名雕刻家吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti)创作室的成员。早期作品《大卫》大理石雕像属哥德式艺术，还有半哥德式作品如《圣约翰坐像》。其《圣马可》和《圣乔治》雕像(约1415年完成)首次充分发挥了他的才能，形象富有动态和个性。1416年雕成教堂钟楼壁龛的先知像，这些作品在外形上与《圣经》中的先知很少相似之处。在浮雕《圣乔治杀死毒龙》(St. George Killing the Dragon)中首创平雕法，在浅底上显示出惊人的深度，好像用凿子在作绘画，而色调明暗是通过浮雕表面微妙的起伏以控制光线反射而成。在雕像的框架建筑结构上，多那太罗吸收了古代艺术的手法.作品《圣乔治》使他闻名于佛罗伦萨，并开始受到当时银行界巨头美第奇家族的礼遇，后来完成的罗马教皇陵墓雕刻更加确立了他的艺术声誉，年他曾在帕多瓦从事艺术创作。在与米开罗佐(Michelozzo)合作期中所作铜雕《希洛德之宴》(Feast of Herod,)是在建筑性背景上作出的浮雕，展示出合乎透视学的线条。在雕像《天使报喜》中创造了3个裸体的小天使，从而导致他在年间创作了大卫铜雕，这是文艺复兴中第一个大型裸体像，也是其最富于古典主义之作。1443年去帕多瓦，创作《格太梅拉达骑马像》(Gattamelata,)，其影响深远，是后来骑马雕像的始祖。此后又有很多作品，包括装饰繁华的石制建筑构架，7座铜雕像，21件青铜浮雕和一件大型大理石浮雕《耶稣安葬》(Entombment of Christ)。年，在多那太罗完成木雕《圣约翰像》和《玛格达琳像》(Magdalen)，均以深刻表现人物心理为特色。《玛格达琳像》豪放的表现力曾震惊了佛罗伦萨。其他著名作品还有青铜浮雕《莎乐美》(Salome)等。多那太罗是个多才多艺的艺术家，作品风格丰富多变，体现出罕见的深度和力度。他深入研究了古希腊罗马古典主义的雕塑作品，重新发现了希腊美术的精华，并加以发扬光大。他打破了中世纪古板的雕塑造型模式，通过细致的观察和高超的雕塑技巧，在作品中逼真地表现了处于运动状态中的人体，使作品中的人物形象栩栩如生。他是第一位推崇和借鉴希腊古典主义艺术风格的大雕塑家，也是他结束了一千多年的中世纪美术史，开创了文艺复兴的新纪元，确定了文艺复兴时代意大利雕塑艺术发展的基本路线。多那太罗的作品中贯穿着很强的民主主义艺术思潮，受到后来著名艺术家达?芬奇、拉斐尔等人的尊崇。他一生作品众多，其中最著名的代表作为青铜雕像《大卫》、《格太梅拉达骑马像》等.多那太罗作品欣赏：　　012.多那太罗（传统上认为是他的作品）（佛罗伦萨，年）戴桂冠青年的半身像佛罗伦萨，15世纪中叶的制作方式青铜42厘米（不带基座），50厘米（带基座）佛罗伦萨，国立巴尔杰洛博物馆，编号，青铜器，7b号国立巴尔杰洛博物馆的领导机构继续认为，这件青铜半身像是多纳托?迪尼科洛?迪贝托?巴尔迪所作，在15世纪佛罗伦萨的雕刻家中,他无疑是最富革新精神的一位。这件青铜半身像没有引起近期评论界的注意。而且可以说，由于这件作品在风格上的仿制特征，很难认为它是15世纪某个艺术群体的作品。半身像的切割方法非同一般，介于两种切割方法之间，一种是完全使用圣物盒半身像的平面切割，例如也是出自大师之手的青铜烫金作品《圣罗索雷》，另一种是16世纪用来复制古罗马肖像的下部为新月形的切割。人物肩上的衣褶在右肩用一个平顶针或者叫作带扣的扣子固定。领口衣边上，有一段库费式的连续伊斯兰字母铭文，这种做法在佛罗伦萨手工业行会在“奥尔圣米凯莱”教堂的壁龛内建造的保护他们的圣徒的高大青铜像中经常可以看到。戴着月桂“花环”（正如古罗马人在取得胜利时的情况一样，花环在额前张开）的这个年轻诗人或英雄的面部显出淡淡的迷惘神情，目光游移，缺乏多那太罗特有的那种内心的如火一般的激情，而更接近于圣十字架教堂陵墓中已故文学家和人文主义者莱奥纳尔多?布鲁尼（阿雷佐，年）的肖像面容和造型。后者也曾是佛罗伦萨共和国的文书长，他请贝尔纳尔多?罗塞利诺（佛罗伦萨，年）为他做陵墓，工程于年完工。奥尔圣米凯莱教堂的那些青铜像同这一展品之间在年代上的距离，使确定这件半身像的制作时间成为难题，但不管怎么说，这一半身像仍是一个具体的实例，说明三维肖像艺术已在佛罗伦萨复活，这种艺术在中世纪就已经有所萌动，借助于一些理想化了的世俗君主或教皇的画像，再加上这些高贵人物体现的普遍价值，这种艺术的抽象意义也很快得到理解。我们从文字资料和某些作品中了解到，与这件作品相似的还有按自然主义手法制作的彩绘陶质半身像、腊质半身像或者保存时间短暂的彩色纸浆制作的半身像，用来镶嵌在门的上方或放在搁板上，佛罗伦萨市民以这种方式来装饰他们的住宅。这些模拟已故亲人面容的半身像，常常是按照制作死者面具的方式，从真实的面孔上复制而成，或者是复制那些用于放在圣堂里、祭坛上用以献给特定圣人或圣母玛丽娅的表现死者“生前容貌”的肖像。在这些地方还经常可以见到真人那么大的形象，像古代的习惯做法一样，甚至身上穿的是真正的服装。提 香提香(Tizian, 全名Tiziano Vecellio, 公元1490-公元1576） 意大利文艺复兴盛期威尼斯画派的代表性画家。是乔凡尼?贝里尼的学生，并受乔尔乔奈的影响。提香以长寿著称，至少活到了九十岁上下。提香?韦切利奥，出生在威尼斯北部风景秀丽的山区小镇卡多莱，12岁时父亲带他游历威尼斯，后来提香再次来到威尼斯便进了乔凡尼?贝利尼的工作室学画，从此几乎一生都没有离开过威尼斯。提香在乔凡尼画室与比他大一岁的乔尔乔内是同学。乔尔乔内享乐主义的人生观，开放的思想行为，熟练的绘画技巧以及对色彩超乎常人的敏感和表现力，令提香崇拜得五体投地。乔尔乔内竟成了他心目中的上帝。提香崇拜乔尔乔内，模仿他的绘画风格，以至人们几乎辨别不出作品的作者。他们开始独立接受订画，乔尔乔内接受来的订件，大都交给提香去完成，后来乔尔乔内越来越发现在色彩创造和艺术技巧方面，提香有超过自己的可能，这使他们之间的关系开始冷淡和紧张。从此乔尔乔内更加抑郁寡言，他把这种内心的不安发泄到更加放肆的寻欢作乐中去，使他在33岁风华正茂时，耗尽了精力，在一次鼠疫传染流行时辞别了喧闹的人世。乔尔乔内的早逝，使提香开始了独立的艺术发展。这种艺术风格体现了威尼斯艺术的成熟。他对色彩的性能及其相互关系有着深刻的认识和理解，他用色大胆，色调极其丰富明快、微妙而准确；他的笔触热情奔放，流畅自如，不拘陈规；画面响亮而又和谐，洋溢着生命的活力和雄浑、华贵之美，他被称为西方油画之父。上帝在创造他的时候既赋予他超人的天才，也给了他常人的弱点。他贪得无厌，为了金钱什么事都干得出来。他在38岁时，获得了威尼斯共和国首席画家的地位，后来又被封为伯爵，是教皇和国王的座上客。有人说他像法国的伏尔泰一样，对权势躬身下拜，在皇室贵族的微笑中享受恩赐；也像伏尔泰一样对宗教抱怀疑态度，和女人在一起时则万般风流。他的这种人格和心理，流露在他的艺术创造中。瓦萨利说，在意大利，没有人能和提香的绘画天才相比，无论是拉斐尔或是达芬奇都赶不上他。1576年的威尼斯大瘟疫，人们在北部海岸提香的别墅中找到了他，和死亡捉迷藏的游戏结束了，他在99岁时终于向死神屈服了。《酒神巴库斯和阿里阿德涅》酒神巴库斯，是宙斯和卡德摩斯的女儿塞墨勒的儿子，塞墨勒被雷电击死，巴库斯成了孤儿，先为宙斯收养，后又转为伊诺和瑞亚教养，教他打猎并训服狮虎豹为他拉车，巴库斯长大后，常驾车出外游玩。有一天巴库斯又驾车出游，突然看到少女阿里阿德涅，立在海边的岩石上，阿里阿德涅是宙斯和欧罗巴的孙女，她曾帮助雅典王的儿子忒修斯杀死害人的弥诺陶洛斯，而深深地爱上了忒修斯，但命运女神拒绝他们的爱情，这使阿里阿德涅十分伤心，她看着自己所爱的人远航离去。正在痛苦之际，巴库期满怀激情地来到她身边，这是命运女神的安排，他们相爱了。画家着意描绘这一见钟情的场面，巴库斯纵身从坐车上飞向阿里阿德涅，成为画面的突出中心，给观众带来巨大的视觉冲击力。整个前景人物以暖色调处理，被单纯的蓝天大海衬托得鲜明而强烈，这是一首歌颂青春、生命与欢乐生活的赞歌。《酒神祭》酒神巴库斯，希腊名叫狄俄尼索斯。巴库斯的好友因决斗而死，他含泪将他埋葬，不久在墓上长出葡萄，他将葡萄的汁榨在牛角杯里饮下，顿觉兴奋异常，这就是葡萄酒。后来他把这甘醇的美酒奉献给奥林匹斯诸神，同时希腊人民也得到了他的恩赐。所以在每年秋季葡萄收获时节，希腊人都要举行酒神祭，成为希腊的重要节日。这幅画又名《安德罗斯岛居民欢庆酒神节》。画中所描绘的情节，是在爱琴海基克拉迪斯群岛中的一个叫安德罗斯的小岛上，居民们正在纵情狂欢，饮酒作乐，谈情说爱和跳舞，以庆祝酒神的节日。画家借诸神饮酒的狂欢场面，表类的激情。画中人物形象大胆而放荡，色彩丰富多变，气氛热烈，群情激昂。这是对人性的赞扬和对神学的宣战。在画幅压角处，仰卧着一位全身袒裸的美丽女子，这是适应画面的构图需要。这“斜倚的女人体”姿势是继承和发展乔尔乔内的样式，也为后来的历代画家树立了这种姿势的典范。《乌尔比诺的维纳斯》如果说乔尔乔内的《入睡的维纳斯》描绘的是亦神亦人的艺术形象的话，那么在28年后，提香60岁时画的《乌尔比诺的维纳斯》，则完全是世俗环境中的女子。这幅和《入睡的维纳斯》可谓姊妹之作。提香对画中人的动态、神情以及环境的改变，体现了时代的变化。乔尔乔内笔下的维纳斯在沉睡，而提香的女神则已醒来，深情地看着这个现实世界，右手从后脑挪开，打破了禁锢身体的椭圆形密封的包围线，呈开放状，已从大自然来到现实的豪华卧室。整个画面给人的第一感觉是一位贵夫人出浴后躺在华贵的卧榻上，期待着情人的到来。人物的动态、神情和环境已无一点神性，完全是世俗女子的写照，更具感官的魅力。有人说画中裸女是一位叫埃列奥诺拉?乌尔比诺夫人的肖像，画家是受乌尔比诺公爵委托创作的，提香所描绘的裸女较乔尔乔内更加具有人性，是充满生命的血肉之躯，体态更加丰腴完美，容貌端庄大方，既富青春魅力，又健康成熟，体现了文艺复兴开放人性的本质精神，用具体真实的艺术形象反对封建的禁欲主义。《伊赛克的祭献》《伊赛克的祭献》取材于圣经《旧约》：人类遭大洪水灾难后，挪亚家族繁衍世界各地，其中有位叫亚伯兰的闪族人，被上帝看中，要他在人间代替上帝行道，令他改名为亚伯拉罕，99岁得一爱子名为伊赛克(一译以撒)，视如掌上明珠。一天，上帝命他将爱子牺牲献于上帝，笃信上帝的亚伯拉罕毫不犹豫，带着爱子和祭具到摩利亚山顶行祭。亚伯拉罕按着爱子的头正欲行祭时，天使突然飞临挡住他的刀，告诉他这是上帝对他的忠诚考验。画家描绘的这一惊心动魄的情节。提香以仰视角度，将山顶压得很低，以天空宇宙作背景，人物作对角线形安排，使画面显示出无比的英勇悲壮和激烈的运动感，以雄健的造型表现忠义之举。揭示了人类忠孝与亲情不能两全的道理。《花神》花神原为希腊神话中的女神芙罗拉。意大利人把每年的4月28日至5月3日定为花神节，在节日期间人们欢聚在一起尽情地嬉戏乐，人们用各种鲜花来装饰自己和动物，环境也布满花草，集会时有花神出现，往往是手持鲜花的年轻貌美的女子装扮。历来画家都喜爱借用神话中的女神来表现自己的审美理想，传达人性、人情和人爱的思想感情。这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。提香是一位伟大的色彩大师，他特别强调色彩的和谐，绘画笔触要服从于色彩与光线对比的需要，笔触不仅要刻画对象的质感，同时笔触的动态起着塑造形体结构和传达情绪的作用。我们在花神的形象上看不到笔触和色彩，映入眼帘的是真实的秀发、肉体和服饰，它们之间所富有的节奏韵律恰似一首优美和谐的交响乐曲。《教皇和他的孙子们》提香于1545年曾画过保罗三世法尔内塞肖像，描绘陷入沉思状态的老教皇。而这一幅是描绘教皇和他的孙子沃大维和法奈斯在一起的群像，肖像组合自然且生动，着意刻画祖孙三人的不同性格：教皇虽已年迈，但精神矍铄，饱经世事，面目中隐含固执精明，他正以怀疑的目光，沉静的姿态，警觉地听取沃大维的诉说。年轻的沃大维一副伪善和谄媚神态，掩饰着内心的残忍与冷酷，卑弓屈膝是为了获得老教皇的信任；而后面立着的法奈斯，则有着一副极为平庸无能的神情状貌。这三个人在画家的笔下都显现出鲜明的个性特征。画面人物主次分明，色块简洁，突出人物形象。属于世界优秀的群体肖像画。《维纳斯和阿东尼斯》神话传说雕刻家皮格马利翁爱上了自己雕的象牙女子，维纳斯为成全他的爱，赋予了象牙女子以生命，她与雕刻家生了一个儿子名叫喀尼剌斯，喀尼剌斯和西喀利斯生一个女儿密耳拉，可怜的密耳拉为命运所嘲弄，爱上了自己的父亲、乱伦怀孕，终因羞愧而死变成一棵没药树，不久树身爆裂，生出一个孩子名叫阿东尼斯，这位美貌绝伦的阿东尼斯又为维纳斯所钟爱，但因母亲乱伦而生的阿东尼斯决心拒绝一切爱情，维纳斯竭尽全力向他求爱终不如愿，施人类以爱的爱神自己却得不到爱。 画中描绘维纳斯以全部的爱搂抱住行进中的阿东尼斯，可是这位美少年目视这位多情而貌美的爱神决不动心，他那急速不停留的动势几乎使维纳斯倒地。可怜的维纳斯失去了一切爱的魔力。落地的水罐，那是专为取泉水献给阿东尼斯的。小爱神远远地进入梦乡，不能向母神发出爱的金箭。 这是一曲人体美与自然风光美交融的赞歌，连动物都生龙活现，画面光和色彩变化丰富，体现了威尼斯画派的追求享乐的美学理想。《达那厄》《达那厄》取材于希腊神话：阿尔戈斯王阿克里西俄斯占卜预示，说他必死在外孙的手中，这使他很恐惧。为了逃避不幸，阿尔戈斯王专门造了一座铜塔，把未出嫁的女儿达那厄关在塔内与世隔绝，指派一位老妇人监护她。天神宙斯透过塔窗发现美丽的达那厄，一见倾心，常化为一道金光来与达那厄相会，为了支走看管她的老妇人，在老妇人的面前变成一阵黄金雨。不久达那厄怀孕生了一位神话中的英雄珀尔修斯。最后老国王仍然没有逃脱死于外孙手下的厄运。画面的构图没有超越入睡维纳斯的基本动态，只是画中女神的动作更加开放，期待的神情更加专注，前景环境更具性感，画家有意将主体人物置于强烈的光照下，那强光正是天神宙斯的化身，从女神的姿态神情看，她此刻正在享受情爱的温存，进入身心极乐境界，她所珍惜的是美好的爱情，无视撒落的金币。画面的背景又是另外一番景色。天空乌云密布，似有雷电交加之势，在黑暗中却又透出一片金光，随之而落的是一阵黄金雨，奇丑可憎的老妇人立即理起围裙，等待金币的降落，那专注贪婪的姿态和神情令人生厌。画家塑造了两个人物，表达了两种不同的思想感情和人生理想追求。达那厄身处前景光明处，沐浴在爱的金光中，这代表着纯洁、崇高、美好的人生理想；而与爱情无缘的老妇人，则在黑暗中追求金钱。在这种强烈的光明与黑暗、爱情与金钱的对比中，我们可以窥见到画家的内心世界。《劫夺欧罗巴》欧罗巴是位于爱琴海的腓尼基台洛斯王阿盖诺耳的女儿，是台洛斯著名的美人，宙斯早就爱上了她，只因妻子朱诺看管严厉而无法接近她。有一天，欧罗巴和朋友们在海边放牛，宙斯偷偷将自己变成一头牛混在牛群中接近欧罗巴，由于宙斯变的牛有风度，很讨人喜爱，在朋友的纵恿下，欧罗巴骑上牛背，就这样宙斯带着欧罗巴飞奔而去，横渡爱琴海逃到克里特岛，他们相爱了，欧罗巴为宙斯生下弥诺斯和拉达曼托斯。画家着意于劫持欧罗巴时的激动与紧张。画面的构图依对角线向上升华和向外扩张，欧罗巴由于紧张一手紧抓住牛角，仰面的身体呈自然的袒露开放状，透过贴身的薄纱现出丰艳的肉体，极富感官刺激，女神的紧张和挣扎与天空飞翔的小天使形成呼应，动荡激越的画面多少带有几分欢乐的意趣。画家运用流畅的笔触和丰富多变的色彩，使画面呈现欢乐热情的气氛。提香其他作品赏析：《梳妆的妇人》《戴安娜与阿戴奥纳》《安德烈亚*格里蒂总督画像》丢勒阿尔布雷特?丢勒（Albrecht Durer，)生平简介德国画家、版画家及木版画设计家。北欧文艺复兴运动中最伟大的画家之一。出生在德国纽伦堡，当时的德国正处于其历史上最为暗淡的一段时期。思想和信仰的混乱，饥荒和瘟疫(黑死病)无情地夺去大批人的生命，社会矛盾的激化。这使德国的文化与艺术疲弱不振，外于严重的低迷状态。与此同时，以意大利为首的欧洲各国却已经先后走出中世纪，进入了政治、经济和文化的开放与繁荣时期，人文主义的光辉已经照亮欧洲大陆。于是，作为一个德国艺术家，丢勒只能在一个代表着过去的落后国度里苦苦追求和传播着“现代”欧洲的先进思想。这位天才少年已经准备好了要独自一人将现代文化引进德国。只是，他那充满好奇和疑惑的目光和基督式的指示性手指表明，不同于意大利文艺复兴对于人与人的世界的欣喜观看，也不同于荷兰文艺复兴对于外部世界的执拗关注，德国的文艺复兴将略带苦涩地凝视人自身。而这将使他成为一个充满矛盾的独行者和先锋派。作为一个文艺复兴时期的人，丢勒相信艺术家必须要深入观察自然和竭力发现宇宙的秘密，以揭示和表现美。但与此同时，他又坚持其半中世纪的信念，认为艺术家连同其艺术应是上帝的工具。当米开朗基罗以大卫雕像()展现人的完美和新生时，丢勒以同样高超的技法创作了蚀版画《圣尤斯塔斯》(1501)，将这位殉教者与神迹相遇的景象表现的如人间乐园。不过，他在那个时期的代表作则是稍早一点创作的《启示录》木刻组画，其在内容和表现风格上更明显带有哥特式教诲性小型画像的特征。同达芬奇一样，丢勒也具有科学的头脑，因而曾深研数学和透视学并写下了大量笔记和论著，其画的动植物素描之精确完全可以同达芬奇所留下的相媲美，但同时他又对《启示录》中记载的各种怪兽的存在深信不疑。他平生不停的旅行，足迹之广，眼界之阔在当时几乎无人可与比肩，可又始终保留着一些农民式的愚昧和狭隘。他相信理性和知识会使人成为高贵的存在，却又对于人的不完美有一种深刻的意识。他出身于一个中世纪的工匠之家并生活在艺术家地位最为低下的国度，却成为当时欧洲最为独立和骄傲的艺术家。作为自画像之父，他是欧洲第一位为自己的容貌和身份所吸引的画家，从而成为伦勃朗的先声。他多少已经意识到艺术会使其不朽，却终其一生为死亡正在迫近的念头所追索而无法摆脱肉体将要消失所带来的恐惧。就艺术风格而言，尽管他是意大利文艺复兴艺术的追求者和传播者，但其置身于其中的德国传统却使其艺术多少保留了一点中世纪哥特式遗风，同时又令人惊讶地率先展现出某些巴洛克特征。丢勒的教父安东?考包格尔是纽伦堡的印刷家兼出版家。在当时，这家最大的厂子，对丢勒产生了很大影响，他在儿童时代初次接触到铜技巧，这个经久不灭的印象，对他后来在版画艺术方面创造性地发挥起了决定作用。1485年，德国教育在人文主义影响下处于即将进行改革的前夕，丢勒进入了纽伦堡的一所公立小学。依照他家的传统，父亲让儿子在自己作坊里当学徒，想把他培养成一个首饰工人。丢勒在作坊里初次获得了绘画训练，并且很快精通此道，这就成为他从事艺术活动的基础，丢勒为学会首饰工艺所必需的装饰艺术，进一步开始临摹艺术家们的人物画，还临摹了马丁?桑恩古厄的雕刻等，这为他想做一个艺术家创造了条件。丢勒十三岁就用银针刻了第一幅自画像，并在画上写道：“1484年我还是一个孩子的时候，我照着镜子画了自己。”他第二年的钢笔画“宝座上的圣母玛丽亚和天使”为第二幅最早期作品之一，该画被保存至今。在学习绘画的过程中，丢勒对人物结构和绘画法则感到很大兴趣，因此，他请求父亲允许他做一个画家。其父依从了儿子的愿望，送子到纽伦堡附近的画家迈克尔?瓦尔盖默特画室，契约规定学徒三年。丢勒临摹了老师的作品，还逐渐学会了多种绘画技巧，并以大自然，人体以及植物为对象开始进行研究，而且开始尝试创作。同时还精心研究色彩的调配和运用，所以，当他学徒期满是，就能够按照艺术法则，进行创作了。二十三岁的丢勒成家立业后，在离家不远的地方正式成立了画室，开始画肖像画。后来，丢勒完成了第一部了不起的杰作---“启示录”的木刻组画。这本启示录起源于罗马帝国尼禄王朝旧基督教的神秘的幻想。他制作了一组十五幅不朽之作，表现了人类在十五世纪末叶，由于世界末日的到来而感到无可奈何的恐怖和失望的情绪。当时德国正处于资产阶级和手工业者之间的斗争，农民和封建主之间的斗争，饥饿和剥削之间的斗争，人民的激昂情绪终于发展成为无数次的宗教的，政治的和革命的群众运动。丢勒想把启示录中的幻想付于现实的形象，给予这些幻想以寓意的力量。其中几幅画，不隐讳的对统治势力进行了批评，他把自己的意见交给每一个人的良知。自从“启示录”刊行后，丢勒被名列于当代大艺术家的光荣行列。腓特烈又邀请他绘制第二幅祭坛画。1498年丢勒以充沛的活力和初得声望的信心。画了一幅身穿华贵服装的自画像。（现存马德里的普拉多陈列馆日，丢勒在他母亲去世的前两个月，给母亲画了一幅肖像，在这幅木炭画里他创作了他一生中最活泼动人的作品，这就是传到现在的唯一的一幅丢勒母亲的肖像。当他母亲于5月17日逝世后，他在画上题了几句话：“这就是阿尔布莱希特?丢勒的母亲，1514年祈祷周前的星期二夜间二时逝世，享年63岁。”说明他终身对母亲的尊敬和热爱。1523年末，丢勒开始写自传，不仅作了自己一生的回顾，而且叙述了他的双亲和他十七个兄弟姊妹及他自己的生平遭遇。当时在世的只剩下他的一个弟弟。1525年，丢勒的重要著作“量度艺术教程”出版。因此，他跃居文艺复兴时期第一流艺术理论家之列。1526年，是丢勒创作杰出肖像的一年，如《伊司马斯?范?鹿特丹》，成为他最伟大的一幅人物杰作。1527年，丢了第二部科学著作《筑城原理》出版。1928年，《人体解剖学原理》脱稿，这是他二十七年来对人体解剖学研究的结晶。可惜，他没有看到这部著作的巨大影响。五十七岁的丢勒，从荷兰归来后，体力衰弱，屡为病魔侵扰，这颗灿烂的文化巨星于日突然陨落了。时人评价图为其自画像据同时代人著文回忆丢勒的长相时写道：“他有一张表情生动的脸，一对明亮的眼睛，长着希腊人称之为四角形的鼻子，长长的脖子，宽阔的胸脯，束紧了腰的腹部，大腿筋肉十分发达，小腿也结实匀称，样子文质彬彬。有人见过他的手指，长得秀美如葱白，他那俏皮的言谈举止更令人陶醉，以致听众都觉得再也没有比他结束讲话时更令人惆怅的事了。他几乎通晓天文地理、哲学美学，不仅懂得，还会口述出来。”这种美誉即便有几分夸张，也足以说明丢勒这位天才在同代人心目中的形象。丢勒最为传世的作品是《手》，后来被人们改名为《祈祷之手》，其影响力超过其他任何作品。祈祷之手德国艺术大师阿尔布雷特?丢勒（Albrecht Durer）有一幅名画“祈祷之手”，这幅画的背后有一则爱与牺牲的故事。十五世纪时，在德国的一个小村庄里，住了一个有十八个孩子的家庭。父亲是一名冶金匠，为了维持一家生计，他每天工作十八个小时。 生活尽管窘迫逼人，然而这个家庭其中两个孩子却有一个同样的梦想。他们两人都希望可以发展自己在艺术方面的天份。不过他们也了解，父亲无法在经济上供他们俩到纽伦堡艺术学院读书。晚上，两兄弟在床上经过多次讨论后，得出结论：以掷铜板决定──胜者到艺术学院读书，败者则到附近的矿场工作赚钱；四年后，在矿场工作的那一个再到艺术学院读书，由学成毕业那一个赚钱支持。如果需要，可能也要到矿场工作。星期日早上做完礼拜，他们掷了铜板，结果，弟弟Albrecht Durer胜出，去了纽伦堡艺术学院。哥哥Albert则去了危险的矿场工作，四年来一直为弟弟提供经济支持。Albrecht在艺术学院表现很突出，他 的油画简直比教授的还要好。到毕业时，他的作品已经能赚不少钱了。 在这位年轻的艺术家返回家乡的那一天，家人为他准备了盛宴，庆祝他学成归来。当漫长而难忘的宴席快要结束时，伴随着音乐和笑声，亚尔伯起 身答谢敬爱的哥哥几年来对他的支持，他说：“现在轮到你了，亲爱的哥哥，我会全力支持你到纽伦堡艺术学院攻读，实现你的梦想！”所有的目光都急切地转移到桌子的另一端，坐在那里的Albert双泪直流，只见他垂下头，边摇头边重复说着：“不……不……”终于，Albert站了起来他，擦干脸颊上的泪水，看了看长桌两边他所爱的亲友们的脸，把双手移近右脸颊，说：“不，弟弟，我上不了纽伦 堡艺术学院了。太迟了。看看我的双手──四年来在矿场工作，毁了我的手，关节动弹不得，现在我的手连举杯为你庆贺也不可能，何况是挥动画笔或雕刻刀呢？ 不，弟弟……已经太迟了……”四百五十多年过去了，Albrecht Durer有成千上百部的杰作流传下来，他的速写、素描、水彩画、木刻、铜刻等可以在世界各地博物馆找到；然而，大多数人最为熟悉的，却是其中的一件作品。也许，你的家里或者办公室里就悬挂着一件它的复制品。为了补偿哥哥所做的牺牲，表达对哥哥的敬意，一天，Albrecht Durer下了很大的工夫把哥哥合起的粗糙的双手刻了下来。他把这幅伟大的作品简单地称为“双手”，然而，全世界的人都立刻敞开心扉，瞻仰这幅杰作，把这幅爱的作品重新命名为“祈祷之手”。下次当你看到这幅感人的作品，仔细看一下。如果你也需要这么一幅画，就让它成为你的提醒，没有人──没有人能单枪匹马地获得成功!画家作品欣赏：　　 分享： >
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